Podstawy wykonywania rysunku graficznego.

Rodzaje rysunku graficznego

W rysunku graficznym stosuje się również linie liniowe, cienkie i szerokie, ale ich główną różnicą jest to, że "żyją" w rysunkach - są rysowane ręcznie, "budują" objętość, podkreślają cienie, wyznaczając granicę światła i ciemności. Linia o tej samej długości może mieć różną grubość. Za pomocą linii wyznaczają liczbę planów na rysunkach, a jest ich w zasadzie trzy. Najbliższy nam pierwszy plan, a raczej obiekty na pierwszym planie, podkreślam za pomocą pogrubionej linii.
Za pomocą rysowania linii możesz przedstawić ludzi, zwierzęta, krajobraz i wykonać szkic kostiumu. Na rysowaniu linii używane są tylko linie o różnej grubości. Media światło-powietrze są przesyłane za pomocą ciągłych, nieciągłych i gładkich linii o różnej grubości. Dodatkowo w celu zwiększenia wyrazistości można użyć obrysu lub plamki. Liniowy wzór wyróżnia przejście linii w pogrubienia, typowe dla sztuki Japonii i Chin. Można to zrobić z węglem, sosem, sangwiną, miękkimi ołówkami! Rysowanie linii jest szczególnie odpowiednie w szkicach i szkicach.
Oprócz liniowej, rysunek graficzny powinien zawierać planarny dekoracyjny (wykonywany punktami o dowolnej tonacji) i cieniowany wolumetryczny światło (również wykonywany za pomocą plam budujących objętość, czy kresek o różnej grubości). Wzór dekoracyjny wykonujemy sekwencyjnie, wypełniając miejsce tuszem lub gwaszem, a także dowolnymi miękkimi materiałami! Jest używany w plakatach, w szkicach kostiumu, czyli tam, gdzie potrzebna jest przejrzystość graficzna, aby zidentyfikować określony temat lub formę.
W rysunku czarno-białym formę buduje się za pomocą plam wykonywanych pociągnięciami, z gradacją od najciemniejszego do najjaśniejszego.

Technika uderzeń ma swoje własne cechy. Obrys jest nakładany na rysunek w różnych kierunkach, ale najlepiej zgodnie z kształtem obiektów, bez naruszania integralności ich percepcji, to znaczy obrys nie powinien „rozerwać”, „zmiażdżyć” formy. Linie przerywane mogą znajdować się blisko siebie i daleko, w dowolnej odległości od siebie, a nacisk ołówka można zwiększyć lub osłabić.
Czarno-biały wzór jest bogaty we wszelkiego rodzaju przejścia tonalne; Bogactwo technik malarskich takiego rysunku przyciągało i przyciąga artystów.
Oprócz liniowej, rysunek graficzny powinien zawierać planarny dekoracyjny (wykonywany punktami o dowolnej tonacji) i cieniowy wolumetryczny światło (również wykonywany za pomocą plam budujących objętość, czy kresek o różnej grubości).
Wzór dekoracyjny wykonujemy sekwencyjnie, wypełniając miejsce tuszem lub gwaszem, a także dowolnymi miękkimi materiałami! Jest używany w plakatach, w szkicach kostiumu, czyli tam, gdzie potrzebna jest przejrzystość graficzna, aby zidentyfikować określony temat lub formę.
W rysunku czarno-białym formę buduje się za pomocą plam wykonywanych pociągnięciami, z gradacją od najciemniejszego do najjaśniejszego
Technika uderzeń ma swoje własne cechy. Obrys jest nakładany na rysunek w różnych kierunkach, ale najlepiej zgodnie z kształtem obiektów, bez naruszania integralności ich percepcji, to znaczy obrys nie powinien „rozerwać”, „zmiażdżyć” formy. Linie przerywane mogą znajdować się blisko siebie i daleko, w dowolnej odległości od siebie, a nacisk ołówka można zwiększyć lub osłabić.
Czarno-biały wzór jest bogaty we wszelkiego rodzaju przejścia tonalne; Bogactwo technik malarskich takiego rysunku przyciągało i przyciąga artystów.

Techniki rysowania ciał geometrycznych

Rysując najprostsze przedmioty, musisz ćwiczyć rękę i nauczyć się, po pierwsze, prawidłowego trzymania ołówka, a po drugie, prawidłowego wykonywania obrysu, prostych i łamanych linii. Rozwiązania tonalne na zdjęciu
Praca nad rysunkiem typu cut-and-shadow jest nierozerwalnie związana ze znalezieniem odpowiedniego rozwiązania tonalnego. Nawet przedstawiając jednobarwny tynk Paryża, dostrzegamy różnice między kilkoma jasnymi półcieniami a ciemnością otaczających obiektów. Te same przedmioty umieszczone w świetle i pod światło mają inny ton. Przez ton rozumiemy współczynnik przysłony.
Ołówek na papierze nie może oddać jasnego światła słońca na białej ścianie i głębokich cieni na czarnym aksamicie. Na rysunku możliwe jest mniej kontrastów niż w naturze. Dla prawdziwości obrazu konieczne jest prawidłowe zachowanie kolejności stosunku wszystkich tonacji natury od najciemniejszej do najjaśniejszej. Tonacje oddane są w wielu odcieniach szarości, pośrednich między tonem papieru a tonem ołówka.
Używając bliższych proporcji tonalnych, aby przedstawić ostrzejsze kontrasty natury, możesz pokazać blask śniegu i głębię cieni. Tony zmieniają się również w zależności od Odległości od obiektu obrazu: po usunięciu tracą kontrast, cienie wydają się jaśniejsze, jasne światło jest ciemniejsze. Wynika to z niewystarczającej przejrzystości powietrza.
Pojęcie „ton” oznacza przeniesienie w rysunku nie tylko światła i cienia, ale także różnic w kolorystyce obiektów pod względem lekkości. Każdy błąd w tonie narusza plany zagospodarowania przestrzennego.
Przy rozwiązaniu tonalnym niemożliwe jest porównanie tonu dowolnego miejsca na rysunku z tonem tego samego obszaru natury (taki rysunek „bezpośredni” może powodować wiele błędów), konieczne jest analizować kilka tonów na raz, to znaczy tworzyć pewne relacje między tonami, jak w naturze i na rysunku. Pomaga to prawidłowo przekazać skalę tonalną.

Rozkład światła i cienia na powierzchni przedmiotów oddany jest za pomocą przejść tonalnych od jasnego do ciemnego: olśnienie, światło, półcień, cień własny, cień padający, refleks. Najjaśniejszy punkt lub smuga na obiekcie nazywana jest podświetleniem. Jest to odbicie źródła światła na wypolerowanej lub błyszczącej powierzchni przedmiotu. Różni się od światła większą lekkością.
Światło równomiernie przechodzi w półcień i gęstniejąc zamienia się w cień, który jest na obiekcie. Istnieje również padający cień, który rzuca przedmiot na płaszczyznę stołu, deski, ściany itp. Wielkość padającego cienia zależy od źródła światła, jego odległości od podłoża lub płaszczyzny, na której pada stoiska obiektów. Wiele osób zauważyło, że przedmioty, drzewa, budynki, które są oświetlone słońcem o różnych porach roku, a nawet w ciągu dnia, rzucają swój cień na różne sposoby. Zimą, gdy słońce świeci na drzewa, domy są nieco z boku, cienie z drzew są długie, a latem, gdy słońce jest w zenicie, cienie są krótkie.
Jeśli obiekty mają różne tekstury materiału, wtedy kolor odcienia będzie również bardzo różny, gdy zostaną porównane. Podczas rysowania obiektów o różnych odcieniach nie jest konieczne traktowanie czerni jako czerni, ważne jest obserwowanie warunkowych proporcji tonów przyjmowanych jeden do drugiego. Obrysowując cień, należy pamiętać, że nawet w tym przypadku papier powinien prześwitywać i starać się nie zaciemniać rysunku zbyt mocno, czyli nie zaciemniać cienia, a jedynie ciemniejszy ton.

Sprawdzenie poprawności rysunku

Podczas rysowania uczeń musi stale sprawdzać swoją pracę: prawidłowy układ, budowę obiektów, zachowanie proporcji między naturą a obrazem. Oprócz tego, że rysunek w trakcie pracy musi być odłożony do weryfikacji na odległość równą w przybliżeniu trzem częściom długości wielkości przyrody, można go przyłożyć bezpośrednio do samej przyrody i sprawdzić porównując go z naturą, z miejsca, z którego odbył się rysunek. Rysunek jest odłożony na bok w dowolnym kierunku, o ile
Aby w inny sposób kontrolować poprawność rysunku, możesz wziąć lustro i ustawiając rysunek równolegle do jego płaszczyzny, spojrzeć na swoją pracę - w lustrze uzyskasz przeciwny obraz, a najmniejsze błędy będą wyraźnie widoczne.

Rysowanie geometrycznych brył i gipsowy wazon

Narysuj walec na płaszczyźnie poziomej

Rysowanie cylindra zaczyna się od podstawy dolnej leżącej na płaszczyźnie stołu. Ponieważ reprezentuje elipsę, porównaj wymiary osi głównej i mniejszej. Podczas rysowania leżącej dolnej elipsy należy ją przedstawić płynnymi przejściami. Prostopadłe elipsy są przywrócone do głównej osi i zaznaczona jest wysokość walca. Górna podstawa cylindra jest również elipsą, ale jej wymiary są zmniejszone w porównaniu z dolną, gdy zbliża się do linii horyzontu i zamienia się na niej w linie. Wolumetryczny kształt walca podkreślony jest cieniowaniem według kształtów, oddzielając padające cienie od obiektu. Narysuj walec leżący na płaszczyźnie poziomej

Walec leżący na płaszczyźnie może być ustawiony stricte frontalnie lub pod losowym kątem widzenia do malarza, pozycja frontalna jest prostsza, więc przeanalizujemy położenie pod losowym kątem widzenia bardziej szczegółowo. Niestabilność cylindra w tej pozycji jest łatwa do wytłumaczenia: leży on na stole z okrągłą cylindryczną powierzchnią, styka się z nim i spoczywa na jednej linii prostej - tworzącej. Cylinder zbudowany jest na podstawie prostopadłościanu, w który można go wpisać. W takim przypadku bok podstawy będzie równy pionowej średnicy koła podstawy cylindra. Po skonstruowaniu osi symetrii rysuje się elipsy podstaw i finalnie budowany jest walec. Pociągnięcia podkreślają kształt walca i padające cienie.

Rysowanie grupy ciał geometrycznych

Pierwszy etap polega na znalezieniu najbardziej udanego ułożenia grupy obiektów na arkuszu, czyli stosunku szerokości i wysokości całej grupy na raz, a następnie każdego obiektu; osobno. Nakreślając podstawowe proporcje całej kompozycji, należy uwzględnić w niej padające cienie i pozostałe puste przestrzenie arkusza.
Cały rysunek wykonywany jest liniami świetlnymi, z wykorzystaniem linii pomocniczych do konstruowania obiektów na płaszczyźnie iw redukcji perspektywicznej. Rysują tak, jakby wszystkie obiekty przeświecały przez siebie. W produkcji jeden przedmiot może zasłaniać inny na różne sposoby, dlatego konieczne jest znalezienie wyrazistego zwrotu jednego przedmiotu w drugi. Każdy decyduje o kompozycji na swój sposób, przy czym ten lub inny temat jest głównym tematem. Wszystkie przezroczyste krawędzie pomocnicze są potrzebne do sprawdzenia położenia obiektów w przestrzeni. Po zarysowaniu składu arkusza wskazują podstawy obiektów, które znajdują się bezpośrednio na płaszczyźnie stołu.

Drugi etap obejmuje konstruktywną konstrukcję i opracowanie kształtu obiektów. Zastosuj półcień z jasnym cieniowaniem, ciemniejszy ton pozostaje dla cieni - własnych i opadających. Aby lepiej rozpoznać biały tynk, obrysuj tło ściany, tablicy lub stołu. Oświetlona część gipsu pozostaje biała, nie zacieniona.

W trzecim etapie rysowania kontynuują pracę nad światłocieniem, identyfikując wszystkie półtony i refleksy, podsumowując, jeśli to możliwe, niektóre części. Jednocześnie trzeba od razu zajrzeć przed siebie w przestrzeń dla całej produkcji, zasłaniając więcej cieni, pozostawiając w rezerwie nawet siłę tonu na ostateczne zakończenie pracy.

Czwarty etap to uogólnienie rysunku, jego ostateczna rewizja. Na tym etapie trudno już cokolwiek poprawić w konstrukcji konstrukcyjnej, dlatego w zasadzie sprawdzają siłę relacji tonalnych rysunku i oprawy, podporządkowanie drobnych szczegółów całości tonu, czyli pracować tylko ze światłocieniem. Ponieważ niemożliwe jest odbudowanie struktury obiektów lub skorygowanie ich położenia w przestrzeni i względem siebie, konieczne jest ścisłe przestrzeganie kolejności tych czterech etapów rysowania.

Wazon w porównaniu z bryłami geometrycznymi reprezentuje więcej złożony kształt, chociaż składa się ze stosunkowo prostych części. Jego środkowa część jest główną i jest owalna, przypominająca kulę. Dolna część - podpora - składa się z dwóch mocno skróconych walców, a dolna ma kształt stożka. Górna część wazonu jest stosunkowo niska, w formie ściętego stożka, do którego od góry przymocowany jest kształt przypominający talerz. Przeniesienie wszystkich tych proporcjonalnych proporcji jest głównym zadaniem rysunku.
Podczas rysowania wazonu stosuje się zasadę symetrycznej konstrukcji. Pionowa oś symetrii przechodzi przez środek wazonu, na którym ułożona jest wysokość w postaci dowolnego odcinka, odległość od krawędzi jest mniejsza niż od dołu, aby następnie narysować padające cienie na stół i powierzchnię stołu.
Następnie nakreśl linię horyzontu, czyli poziom oczu malarza (dla osoby stojącej poziom oczu będzie wyższy niż dla osoby siedzącej), a stosunek wysokości wazonu do szerokości wynosi określony. Aby to zrobić, od osi środkowej na poziomie najszerszego miejsca, całą szerokość wazonu układa się w obu kierunkach w postaci równych segmentów. Po wyznaczeniu szerokości na wszystkich poziomach zaczynają budować wazon. Należy pamiętać, że wszystkie przekroje wazonu są okręgami, aw perspektywie są elipsami.

Na poziomie linii horyzontu elipsa jest przedstawiona jako odcinek prosty, poniżej lub nad linią horyzontu - w postaci elipsy od wąskiej do koła, patrząc z góry lub z dołu. Ważne jest, aby ustawić wymiary elipsy na zdjęciu: jeśli wazon znajduje się bezpośrednio przed nami, elipsa górnej podstawy będzie węższa niż dolna. Po ponownym sprawdzeniu wszystkich proporcji łączą segmenty, nakreślając ogólny kształt wazonu.
Następnie przystępują do przenoszenia objętości za pomocą światłocienia. Należy pamiętać, że dowolna linia na odciętym rysunku jest granicą między jasnym a ciemnym, czyli praktycznie żadne linie nie powinny pozostać na gotowym rysunku. Wszystkie nieoświetlone miejsca pokrywamy kreską, którą nakładamy zgodnie z kształtem, padające cienie są podkreślone, pozostawiając najjaśniejsze i najciemniejsze miejsca w produkcji.
Ostatnim etapem jest rysowanie uogólnienia. Za pomocą ołówka i gumki usuwają niepotrzebne fragmentacje, zmiękczają cienie, podkreślają refleksy i oświetlone miejsca. Odbicie jest odbijane i dlatego stłumione światło nawiązuje do cienia i ukazuje charakter powierzchni formy w jej części cieniowej.
Rysując wazon, utrwalają swoją wiedzę o perspektywie, uczą się rysować zaokrąglone przedmioty, analizować dowolny złożony kształt, a także łączyć różne kształty w jedną całość.

Rysowanie draperii i fałd na tkaninach

Sama tkanina jest płaszczyzną, płaską powierzchnią, która nie ma kształtu. Tylko przytulając dowolny przedmiot lub postać osoby, może opaść w formie fałd, obracając się do przodu lub na niewłaściwą stronę. Rysunek pomaga w badaniu właściwości tkanin.
Każda tkanina, w zależności od linii i kształtów, które utrzymują ją w określonych punktach zaczepienia, tworzy fałdy. Bardziej złożone fałdy nazywane są draperiami. Fałdy i draperie mogą mieć różne kształty.
Kształt fałd zależy od przedmiotu, na który jest rzucany, a kierunek fałd zależy od tych kształtów.
Kształt ludzkiego ciała pod wieloma względami przypomina figury geometryczne- cylinder, kula. Przed zbadaniem draperii na ludzkiej postaci możesz je zbadać, rzucając tkaninę na kulę, cylinder, stożek itp., Określając wzory formowania fałd. W tkaninie rzucanej na powierzchnię stołu, krzesła wyraźnie widać jego właściwości plastyczne. W zależności od miękkości, płynności lub odwrotnie sztywności tkanki, czyli jej struktury, tworzą się dżemy, załamania i fałdy. Tak więc fałdy na gazie bardzo różnią się od fałd na aksamicie, brokacie lub tkaninie, a także na jedwabiu lub perkalu. Porównanie dwóch tkanin możliwe jest na zasadzie kontrastu - lekka lub ciężka, matowa lub błyszcząca, twarda lub miękka, gęsta lub rzadka struktura itp.

Nadając tkaninie figuratywne i precyzyjne cechy, można ją nazwać miękką, płynną; twardy, wystający; ciężki z dużymi fałdami; lekkie przewiewne, przezroczyste lub elastyczne, letargiczne itp.
Rysowanie draperii odbywa się w czterech krokach:
1 — nakreślamy kompozycję rysunku w formie szkicu cienkimi nitkami.
2 - przedstawiamy główne proporcje całej masy tkaniny, oznaczając duże i mniejsze fałdy.
3 - delikatnie odcień wszystkie zaciemnione obszary.
4 - kończąc rysunek, zastosuj wszystkie półtony, podkreślając cienie, podkreślając główne fałdy.

Wzór lub rysunek tkaniny (klatka, pasek, ornament kwiatowy itp.) Podczas rysowania draperii jest przedstawiony na reliefie fałd.
Możesz szkicować i szkicować tkaniny (gładkie i wzorzyste) używając różnych materiałów odpowiednich dla wybranej tkaniny. Lekkie, przezroczyste tkaniny można przedstawiać akwarelami, tuszem, długopisem, węglem; twarde, odstające - tuszem, wypełniające plamy i podkreślające pisakiem przerwy; miękki, puszysty, ciężki – sangwinowy, sosowy itp.

Schemat konstruowania fałd o różnych konfiguracjach:

Nakreślamy prostokąt, trójkąt lub jakikolwiek inny kształt, który ma ten kawałek tkaniny;
narysuj linię ograniczającą szerokość zagięcia na dole, zygzakowaty kontur zagięć tkanin narysuj stosunek wysokości zygzaka do szerokości tkaniny;

rysujemy kontury zagięć fałd, zwracając uwagę na równoległość poszczególne elementy zygzakowate i gładkie zagięcia linii;

zarysowujemy pionowe kontury i dolny kontur fałd (konstrukcja konturów góry powinna odpowiadać konstrukcji konturów dna);

po narysowaniu konturów warunkowo określamy kierunek światła padającego na fałdy tkaniny i zgodnie z tym obrysowujemy jaśniejsze i ciemniejsze płaszczyzny na powierzchni fałd;

tworząc iluzję objętości za pomocą światła i cienia, odcień wszystkie miejsca cienia.

Rysowanie martwej natury

Martwa natura z francuskiej natury mort - martwa natura. w odróżnieniu
rysunek żywej natury, martwa natura jest skomponowana i przedstawiona w celu zbadania właściwości przyrody nieożywionej, cech konstrukcyjnych poszczególnych obiektów, a także zbadania właściwości tekstury i plastycznych różnych materiałów.
Martwa natura jako niezależny gatunek w sztuce pojawiła się na przełomie XVI i XVII wieku. w Holandii i Flandrii i od tego czasu jest używany przez wielu artystów, aby przekazać bezpośredni związek między sztuką a życiem i życiem ludzi.
Postrzeganie martwej natury nie może być jednoznaczne.
Rysowanie martwej natury wiąże się z umiejętnością odwzorowywania kształtu różnych przedmiotów za pomocą światłocienia, perspektywy, praw koloru.
Podstawą do narysowania martwej natury jest wybór przedmiotów, w których najwyraźniej wyraża się jej ogólna treść i temat.
Aby najpierw narysować martwą naturę, konieczne jest od dwóch lub trzech obiektów, aby lepiej wyrazić wszystkie ich właściwości plastyczne, wybierając określony punkt widzenia, tj. linia horyzontu.
Jedna z pozycji powinna stać się kompozycyjnym centrum produkcji i wyróżniać się rozmiarem i tonem. Powinien być umieszczony bliżej środka oprawy, a aby oprawa była bardziej dynamiczna (ruch plamek), można ją przesunąć w prawo lub w lewo.

Dzięki przestrzennemu rozwiązaniu martwej natury, na pierwszym planie w formie akcentu, można postawić mały przedmiot, który różni się fakturą i kolorem od innych obiektów. Aby dopełnić kompozycję, a także połączyć wszystkie przedmioty w jedną całość, do produkcji dodaje się draperie, podkreślając tym samym różnicę między twardymi przedmiotami a miękką, lejącą się fakturą tkaniny. Tkanina może
być gładkie i wzorzyste lub wzorzyste, ale nie powinno odwracać uwagi od innych, zwłaszcza głównych tematów. Często umieszczany jest po skosie, aby skierować wzrok widza w głąb, w kierunku centrum kompozycyjnego dla lepszego rozwiązania przestrzennego.
Oświetlenie - sztuczne lub naturalne - odgrywa ważną rolę w kompozycji inscenizacji martwej natury. Światło może być boczne, kierunkowe lub rozproszone.
Najpierw wykonuje się wstępne szkice na małych formatach arkuszy o różnych kształtach - kwadratowe, wydłużone na wysokości, ułożone poziomo. Po wybraniu najbardziej udanego szkicu możesz przejść bezpośrednio do rysowania.
Po zaznaczeniu martwej natury na arkuszu musisz podążać za konstrukcją perspektywiczną, a także przekazać objętość za pomocą światłocienia, podporządkowując wszystkie szczegóły ogólnemu rozwiązaniu tonalnemu, aby w końcu nie uzyskać zestawu oddzielne obiekty, ale cała kompozycja. Ważne jest, aby nauczyć się widzieć tę całość, a szczegóły będą poznawane stopniowo w trakcie pracy.

Nawet jeśli najsłynniejsze obrazy w całej naszej historii są malowane farbami, nie należy zapominać o tak ważnym komponencie Dzieła wizualne w życiu człowieka jako grafika.

Ogólnie o grafice

Od zawsze była blisko malarstwa, występując w osobnych pracach, wraz z farbami i jako podstawa ich aplikacji. Jest wiele jej rodzajów, dobrze znanych i niezbyt wiele, a wielu artystów wszechczasów i narodów zwróciło się ku grafice, aby wyrazić siebie.

Do wykresy głównymi środkami obrazowymi są różne linie, kropki, plamy, kreski i ton, które razem, a nawet osobno tworzą integralny obraz. Kolor dla tego rodzaju sztuki nie jest najważniejszy, chociaż jest to całkiem akceptowalne zjawisko. Zwykle oprócz podstawowej czerni w grafice używany jest tylko jeden kolor, choć czasami (np. w grawerach) można zastosować dość dużą różnorodność kolorów. Ze względu na dominującą powściągliwość kolorów, ta forma sztuki jest czasami nazywana również sztuką czerni i bieli..

Różne rodzaje grafiki a jej techniki pojawiały się stopniowo, nie od razu. Pierwsze obrazy, jak pamiętamy z lekcji historii w szkole, to rysunki na ścianach jaskiń i kamienie, które pozostały po prymitywnych ludziach. Ponadto pojawiły się ozdoby na broni, przedmiotach gospodarstwa domowego i narzędziach pochodzących z epoki neolitu i brązu. Na tych wczesnych etapach sztuka łączyła także funkcję pisania - przekazywania informacji. Do naszych czasów przetrwały zwoje pergaminowe, kamienne płyty i gliniane tabliczki, które służyły jako źródło informacji. Starożytni Egipcjanie potrafili łączyć pismo i grafikę – w pełni wykorzystywali piktogramy (obrazki oznaczające różne przedmioty, czynności i tematy) do ukazania ich historii.

Historia grafiki

Grafika przez długi czas służyła jedynie do dekoracji przedmiotów, grafika sztalugowa nie było, a związek z pisaniem został zachowany dzięki zdobieniu książek, jak wszystko inne w tym czasie - tylko ręcznie. Na przykład Chiny nie rozróżniały rysunku i kaligrafii, uważano je za równe i komplementarne. A w 868 r. n.e. w tym samym miejscu wynaleziono sposób na zwiększenie liczby kopii rysunku za pomocą wyrzeźbionego w drewnie frazesu. Był to początek drzeworytów, drzeworytów, które pojawiły się w Europie dopiero w pierwszej połowie XV wieku. Do dziś w Azji można zobaczyć rzemieślników rzeźbiących hieroglify lub spersonalizowane pieczęcie na drewnianym klocku.

Początkowo grafiką nazywano jedynie pismo, czyli sztukę czcionek. Dopiero na przełomie XIX i XX wieku ukształtowała się jako samodzielny rodzaj sztuki. Warto zauważyć, że współczesna klasyfikacja muzealna obejmuje również wszystkie techniki wykorzystujące jako grafikę papier i farby wodorozcieńczalne (głównie akwarele, pastele i gwasze). Ale tutaj wszystko zależy od tego, do czego skłania się artysta - do koloru czy linii.

Uważa się, że grafiki przyciągają lakonizmem, surowością i pojemnością obrazów, połączoną z pewną niepewnością i niedopowiedzeniem, konwencją, która pobudza wyobraźnię widza. Dlatego wartość artystyczna jak dzieła sztuki mają szkice, szkice, szkice - malarstwo pozornie niedokończone, ale też obrazy samodzielne.

Wspaniałe przykłady grafiki można zobaczyć u Leonarda da Vinci, Michała Anioła Buonarrotiego, Albrechta Durera, Rembrandta van Rhine, Iwana Szyszkina, Tarasa Szewczenki i wielu, wielu innych artystów, którzy również słyną z malarstwa.

Tradycyjna podstawa rysunki graficzne był i pozostaje papier - najczęściej biały, ale w zależności od pomysłu artysty także kolorowy, czasem czarny lub fakturowany. Takie tło zdaje się tworzyć własną przestrzeń, w której przedstawione "żyje" - dwuwymiarowe lub trójwymiarowe tylko dzięki wyobraźni i umiejętnościom autora. Ale tutaj, na przykład, portret Szalabina ręką Sierowa powstał z węgla na płótnie, a prymitywne grafiki spłynęły do ​​nas na kamieniu, więc nie ma specjalnych ograniczeń. Można jednak dodać folie z tworzywa sztucznego i folię jako bazę do materiałów malarskich.

Z tradycyjnych narzędzi twórcy prac graficznych można wymienić ołówek grafitowy, długopis, węgiel i inne im podobne. Ale niektóre rodzaje grafiki wymagają pras drukarskich, frezów do drewna/linoleum, kamieni litograficznych - coś, czego nie wszędzie można znaleźć.

Ogólnie stosuje się różne ołówki, pędzle, stal, gęsie i trzcinowe pisaki, drewniane, szklane i trzcinowe pałeczki, wieczne pióra i pisaki, słomki inne formy(szkło lub metal), pistolety lakiernicze, aerografy, a także wszelkiego rodzaju cieniowanie, tampony i wałki. Do czego służą te narzędzia? Akwarele, tusz, tusz, gwasz, tempera, poligrafia, farby olejne i syntetyczne, różne lakiery, barwniki do tekstyliów. Oprócz tych materiałów stosuje się również węgiel drzewny, ołówki w sztyfcie oraz puder i pastele.

Odmiany grafiki

Rodzaje grafiki są zróżnicowane. Tradycyjnie dzieli się na sztalugi (jak malarstwo), książki (ilustracje i inne projekty publikacji) oraz gazety i czasopisma (rysunki, rysunki) oraz grafikę użytkową (znaczki, etykiety, projekty kopert, plakaty, plakaty i wiele innych). Najmłodszym typem jest grafika komputerowa, ale nie jest bezpośrednio związana z materiałami używanymi przez inne typy, dlatego stoi na uboczu.

Wszystkie gatunki są używane w grafice- w końcu pozwala uszczegółowić, zamazać, wskazać obiekt i w pełni oddać świat (zwłaszcza w popularnym dziś gatunku hiperrealizmu). Ponadto istnieją również różne techniki... Przede wszystkim musisz nazwać zdjęcie (bez względu na to, co i na czym, nawet wydrukowane). Inną opcją jest grafika - rysunek autorski przeznaczony do powielania, czyli drukowania. Obejmuje drzeworyty (drzeworyty), metal, linoleum, tekturę, szkło i kamień (litografia).

Jak już wspomniano, przez pewien czas termin „ grafika„Oznaczane tylko jako pismo i kaligrafia, jednak po pojawieniu się rysunków w księgach, a po nich rysunek wyszedł poza ramy ksiąg, obszar objęty tym pojęciem również się poszerzył. Wraz z rozwojem przemysłu, wzrostem oświaty i liczby publikacji drukowanych (zarówno książkowych, jak i periodyków), rozwinęła się również poligrafia przemysłowa, upowszechniająca rysunek graficzny i pomagająca w kształtowaniu grafiki jako sztuki.

Początkowo grafikę rozumiano jako sztukę linii opartą na kontraście między czernią a bielą, ale z czasem to rozumienie poszerzyło się, dodając do definicji pojęcia takie jak obrys, punkt, punkt, ton. Dziś rozwój grafiki nie ustaje, podobnie jak rozwój malarstwa w ogóle. Pojawiają się nowe gatunki, techniki i oczywiście nowe dzieła w tych stylach, o których powiemy w następnym artykule.

Wielu aspirujących artystów marzy o nauce rysowania portretów ołówkiem. To jest absolutnie nowy poziom w kreatywności. Nauczywszy się przedstawiać portret osoby, będzie można łatwo opanować technikę akwareli, rysować sangwinikiem i węglem drzewnym, a także olejem. Koniecznie trzeba zacząć od Pewnej manipulacji materiałami graficznymi, można osiągnąć niesamowite podobieństwo z naturą.

Jak narysować portret graficzny

Aby to narysować, będziesz potrzebować:

• Tablet pokryty papierem Whatman.
• Urządzenie pomiarowe (linijka).
• Ołówki zwykłe o różnej twardości.
• Gumka do mazania.

Przedstawiać jakość portret graficzny, staraj się ograniczyć użycie gumki do minimum, ponieważ ściera ona papier, przez co na zdjęciu tworzy się brud. Po przygotowaniu materiałów, naciągnięciu arkusza, możemy zabrać się do pracy.

Narysuj portret

Analizujemy naszą naturę, dokładnie badamy ją z każdej strony, aby zrozumieć cechy i kształt. Wskazane jest wykonanie wstępnych szkiców konstruktywnych w celu zrozumienia kształtów i ich zrozumienia. Przyrodę trzeba rysować z każdej strony, pozwoli to zrozumieć jej kształt, przestudiować jej cechy i każdy szczegół z osobna.

Jak narysować portret graficzny etapami

Znajdujemy się w najbardziej najlepszy przegląd, przygotowujemy materiały. Natura powinna być statyczna. Rysowanie portretu graficznego zaczynamy etapami:

1. Najpierw musisz zrobić układ na arkuszu.
2. Poszczególne części obrazu zarysowujemy w sposób ogólny.
3. Znajdź osie obrotu i konstrukcji.
4. Zaczynamy budować kształt, na przemian od ogólnych do drobnych szczegółów.
5. Na każdym z poprzednich etapów należy dokładnie porównać obraz z naturą, sprawdzić czy proporcjonalne proporcje kształty i cięcia perspektywiczne.
6. Ten etap jest zacieniony. Po zakończeniu budowy konieczne jest rozpoczęcie obrysu, należy to zrobić ostrożnie i powoli dzieląc rysunek na części zacienione i oświetlone.
7. Nadajemy ostateczny szlif kształtowi, nadając w ten sposób objętość portretowi, ale nie zapominajmy o ogólności i skupiamy się na jednym konkretnym szczególe.

Aby tworzyć portrety ołówkiem, musisz przeanalizować i zrozumieć swoje błędy. Zwykle początkujący artyści z braku doświadczenia zbyt mocno naciskają na ołówek. Z tego powodu praca okazuje się przerysowana, to znaczy linie są zbyt ostre. Rysunek nie powinien być otoczony czarną linią, powinien harmonijnie pasować do formatu i oddawać formy.

Typowe błędy

W próbach oddania tomów artysta za bardzo przywiązuje wagę do drobnych szczegółów, pilnie nad nimi pracując. W efekcie obraz przestaje być kompletny. Nawet początkujący artysta sam to zauważa.

Czasami problem polega na tym, że artysta nie może zrozumieć, jak ułożone są szczegóły, nad którymi chce pracować. W efekcie niemożliwe jest uszczegółowienie obrazu, stąd możliwe jest również rozdrobnienie rysunku, naruszenie relacji perspektywicznych, wielu stara się dokończyć pracę, chociażby ze względu na dopracowanie tonalne. Pracując nad pewnym detalem i popełniając w nim błędy, kreślarz stara się powiązać go z ogólnym kształtem, nakładając kolejne warstwy grafitu. I na koniec pozostaje rozczarowany wynikiem. Ale aby narysować wysokiej jakości portret osoby, wystarczy dobrze przestudiować każdy szczegół.

Analiza niedociągnięć

Jeśli artysta ma do czynienia z powyższymi problemami, musi wziąć pod uwagę następujące kwestie: po konstruktywnej analizie formy przyszły za pomocą cieniowania, a na tym etapie często pojawiają się wątpliwości dotyczące kontynuacji pracuj nad obrazem.

Zatrzymaj analizowanie dźwięków i powtórz analizowanie formularzy. Przejrzyj kształt ołówkiem, zdemontuj naturę na samolocie i zapamiętaj jego budowę. Po tak szczegółowej analizie rysowanie staje się znacznie łatwiejsze.

Wyobraź sobie, skąd pochodzi szczegół, jak powstaje objętość i dlaczego tak się dzieje. Ten proces myślowy pomaga zrozumieć, jak rozprowadzić światłocień, który obszar będzie zanurzony w cieniu, gdzie znajduje się półcień i gdzie pada światło.

Krok po kroku eliminujemy niedociągnięcia

W przypadku napotkania trudności w pracy z formularzem należy postępować w ten sposób:

1. Wizualnie dzielimy kształt na kilka płaszczyzn, które tworzą jego objętość.
2. Analizujemy, jak forma jest ułożona, następnie budujemy ją za pomocą płaszczyzn warunkowych lub za pomocą linii konstrukcyjnych, wszystkie metody można łączyć ze sobą.
3. Jeśli żadna z metod nie pomogła, musisz uogólnić rysunek. Konieczne jest zebranie wszystkich małych części razem za pomocą samolotów warunkowych.

Jak poprawić umiejętność

Aby ręka i oko przyzwyczaiły się do rysowania, konieczne jest codzienne wykonywanie szkiców, które pomagają zrozumieć naturę i doskonalić swoje umiejętności. Postaraj się uchwycić wielkość natury, a także płaszczyzny i proporcje. Regularnie szkicuj z życia. Możesz oglądać telewizję i próbować uchwycić obrazy, które widzisz na ekranie. Trzymaj długopis i szkicownik pod ręką. Narysuj wszystko, co zobaczysz, weź niezbędny sprzęt i szkicuj w metrze i na dworcach kolejowych, gdzie jest ogromny tłum ludzi. Trenuj tę umiejętność każdego dnia, porównuj proporcje i objętości. Aby to zrobić, możesz użyć zdjęć lub rysunków z książek. Naucz się skupiać na sobie uwagę formy ogólne i nie rozłączaj się z drobiazgami. To jedyny sposób na poprawę swoich umiejętności.

Zentangle i doodling / Zentangle i doodling. Rysowanie krok po kroku

Potrzebny będzie papier, ołówek i gumka oraz kapilary różne kolory, no cóż... chęć rysowania oczywiście.

Początkowo w moich rysunkach nie ma specjalnej koncepcji. Zaczynam rysować abstrakcyjne linie, kształty, a potem w procesie rysowania wyłania się ogólny obraz.

Ta technika rysowania jest znana jako Zentangle & Doodling / Zentangle and Doodling.

Zentangle to nowa i ewoluująca forma sztuki, która łączy kreatywność, medytację i przyjemność. Prawie każdy może czerpać przyjemność z rysowania skomplikowanych projektów za pomocą łatwej do nauczenia się techniki zentangle. Nie musisz być artystą ani kupować drogich materiałów i sprzętu, wystarczy papier, długopis (wkładka) i ołówek. Zentangle pozwala się zrelaksować i zredukować stres, jednocześnie tworząc coś pięknego.

Doodle (przetłumaczone jako „doodle”) to skoncentrowany rysunek wykonany, podczas gdy uwaga osoby jest zajęta czymś innym. Doodle to proste rysunki, które mogą mieć określone znaczenie reprezentacyjne lub mogą być po prostu abstrakcyjną formą.

Zendoodling to hybryda sztuki zmieszanej ze stylem Zentangle i Doodlingiem. Zendoodles często mają swobodny i abstrakcyjny wygląd, czasami przeplatane kolorami.

W ten sposób wszystko jest zagmatwane.

Oto kilka wzorów rysunkowych, które możesz zastosować do swoich rysunków w różnych kształtach i interpretacjach podczas tworzenia własnego, niepowtarzalnego rysunku:

Cóż, teraz - moje procesy! Zacząłem rysować ten rysunek od lewego dolnego rogu:

.

Potem chciałem kręgów. W takiej sytuacji łatwiej jest użyć kompasu. Ale ponieważ go nie miałem, po prostu krążyłem z pojemnikami na ołówki o różnych średnicach. Za pomocą linijki i ołówka podzieliłem koła na sekcje, aby łatwiej było je wypełnić wzorami.

Kiedy wszystkie granice zostały nakreślone ołówkiem, możesz zacząć wypełniać sekcje koła różnymi wzorami. Zaczynając od centrum.

Nadal wypełniam sekcje różnymi wzorami.

Nie pojawia się nawet pytanie, jakie wzory wypełnić w kolejnych sekcjach, po prostu zaczynasz, długopis sam się narysuje, ponieważ jest to bardzo ekscytujący proces!

Dobiegamy końca, wypełniając ostatnie fragmenty koła wzorami.

Kiedy skończysz, użyj gumki, aby delikatnie wymazać linie ołówka, aby praca wyglądała schludnie. Gotowe!

Oczywiście nie trzeba wpisywać tekstu na zdjęciach, ale pomyślałem o czymś w rodzaju książki z ciekawymi przemyśleniami na zdjęciach. Oto kilka stron z tego (i proces rysowania):

W tej pracy zacznij od górnego rogu. Abstrakcyjne figury są rysowane i wypełniane kropkami, liniami itp. z tymi samymi uchwytami kapilarnymi.

Uzupełniamy rysunek akcentami kolorystycznymi.

Ten japoński rysunek z odchyleniem jest rysowany cieńszymi długopisami żelowymi.

Zaczęła od szkicu:

I znowu – uchwyty kapilarne. Małe domy.

Działamy zgodnie z powyższą zasadą, najpierw - figury i ogólny plan, potem - wypełniając figury abstrakcyjnymi wzorami.

Używa się tu zielonego pióra kapilarnego i czarnego długopisu żelowego. Zasada jest taka sama, kształty i wzorzyste wypełnienie.

Chciałem kwiaty :)

Ze wszystkich stron rysowałam fantazyjne kwiaty, które zdają się schodzić do środka, i wypełniałam je różnymi wzorami za pomocą wielokolorowych pisaków.

Mam nadzieję, że to było interesujące.

Miłego dnia i wspaniałego nastroju!

Z poważaniem Eleno