„RG” wybrało pięć najciekawszych wystaw października. Arcydzieła stworzone przez Coco Chanel zostaną pokazane na Moskiewskim Kremlu. W Garage Center for Contemporary Art na wystawie „Świadectwo” zgromadzone zostaną prace Francisco Goi i Siergieja Eisensteina. W Centrum Fotografii. Bracia Lumiere zaprezentują wystawę fotografii Michaiła Barysznikowa w wykonaniu Roberta Whitmana. W Galerii Trietiakowskiej na Krymskim Wale lider Sots Art Leonid Sokov będzie komentował stałą wystawę swoimi pracami. A Rosyjski Salon Antyków odbędzie się po raz 41. w Centralnym Domu Artystów.
Elegancki luksus
W Jednofilarowej Komnacie Kremla Moskiewskiego otwarto wystawę „Elegancja i luksus Art Deco”. Instytut Kostiumów w Kyoto, domy jubilerskie Cartier i Van Cleef & Arpels po raz pierwszy przywiozą do Moskwy setki eksponatów opowiadających o epoce Art Deco. Jest to kolekcja odzieży damskiej z europejskich domów haute couture ze zbiorów Kyoto Costume Institute (Japonia), a także biżuterii z lat 1910-1930 XX wieku, w tym pierwsze i bardzo rzadkie dzieła wykonane we wczesnym stylu tego niezwykłego ruchu .
Instytut Kostiumów w Kyoto jest jednym z czterech najlepszych muzeów mody na świecie i posiada rzadką kolekcję damskich sukienek i akcesoriów wybitnych europejskich firm i projektantów mody pierwszej tercji XX wieku. Suknie wieczorowe, płaszcze, komplety taneczne i koktajlowe, a także specjalny rodzaj eleganckich sukienek typu robe de style (są to sukienki z pełną spódnicą z krynolinami). Luksusowe ubrania i dodatki prezentowane na wystawie zostały stworzone przez światowej sławy projektantów mody, takich jak Coco Chanel, Charles Worth, Paul Poiret, Jeanne Paquin, Jeanne Lanvin czy siostry Callot. Eksponaty uzupełnią fotografie pochodzące z archiwów.
Art Deco zrewolucjonizował modę XX wieku. W epoce Art Deco rola kobiet w społeczeństwie stawała się coraz ważniejsza. W latach dwudziestych i trzydziestych panie nosiły krótkie fryzury, jasny makijaż, ostentacyjnie paliły, a ich sylwetki stawały się luźniejsze. Ta era nadal ekscytuje umysły wielu przedstawicieli płci pięknej i inspiruje współczesnych projektantów i projektantów mody. Wystawa jest obowiązkowa dla wszystkich fashionistek i tych, którzy się do nich zbliżają.
Czasy nie wybierają
Otwarcie wystawy „Świadectwa” zaplanowano na 1 października w Centrum Sztuki Współczesnej Garaż. Na wystawie zaprezentowane zostaną prace Francisco Goyi (1746-1828), Siergieja Eisensteina (1898-1948) i Roberta Longo (ur. 1953). Trzej artyści, trzy pokolenia, trzy epoki. Łączy ich to, że byli świadkami burzliwych zmian czasów, przetrwali chaos rewolucji, niepokoje społeczne i wojnę. Goya służył kościołowi i królowi, Eisenstein służył państwu, a Longo tworzył w XX wieku pomimo dominacji handlu w sztuce. Każdy z nich zyskał uznanie dzięki niezależnej praktyce artystycznej, rzucając wyzwanie oczekiwaniom i żądaniom społeczeństwa. W poszukiwaniu innowacyjnych technik uczestnicy wystawy sięgali po różne formy – od tradycyjnego malarstwa i ryciny po rzeźbę, kino i performance, jednak głównym narzędziem wizualizacji pomysłów dla każdego z nich zawsze pozostawał rysunek.
Zwiedzający wystawę będą mogli zobaczyć 43 wcześniej nie eksponowane rysunki Eisensteina z Rosyjskiego Państwowego Archiwum Literatury i Sztuki. Zostaną one zaprezentowane wraz z fragmentami siedmiu filmów Eisensteina, pokazanymi w zwolnionym tempie, tak aby każda klatka mogła być postrzegana jako odrębny obraz. Również w salach Garażu po raz pierwszy zostanie pokazanych 49 rycin Goi ze zbiorów Państwowego Centralnego Muzeum Historii Współczesnej Rosji oraz ponad 30 wielkoformatowych rysunków Longo, stworzonych przez niego w ciągu ostatnich pięciu lat.
Nie da się nie zakochać
W Centrum Fotografii. Bracia Lumiere będą pokazywać wystawę Roberta Whitmana „Michaił Barysznikow. Metafizyka ciała” od 11 października do 22 stycznia 2017 r. W Moskwie zostanie zaprezentowanych ponad 60 fotografii jednego z najwybitniejszych tancerzy XX wieku, wykonanych przez jednego z najsłynniejszych amerykańskich fotografów błyszczących.
Whitman i Barysznikow pracowali razem w studiu pięć razy. Pięć twórczych spotkań w latach 1995-2015 zaowocowało pięcioma cyklami fotograficznymi. Niezależnie od okazji kamera zawsze uchwyci hipnotyzujący wdzięk i charyzmę Barysznikowa, podziwiane między innymi przez poetę Josepha Brodskiego. W „Dialogach...” z Solomonem Wołkowem Brodski zauważa: „Kiedy widzę Barysznikowa na scenie, uczucie jest absolutnie niesamowite. Wydaje mi się nawet, że to wcale nie jest balet – to co on robi. Moim zdaniem to jest czysta „metafizyka ciała. Coś, co wykracza daleko poza granice baletu. Michaił Barysznikow to rodzaj inteligentnego ciała, które niesie w sobie cały świat”. Jednym słowem, patrząc na fotografie Barysznikowa, nie można się w nim nie zakochać.
Najwcześniejsza seria „Aromat” prezentowana na wystawie powstała w 1995 roku w ramach wsparcia kampanii reklamowej perfum Barysznikowa. Dziesięć lat później seria z 2015 roku jest najnowszą. Jak zmieniła się tancerka, jakie metamorfozy zaszły? Oglądanie tego jest niezwykle interesujące. Na wystawie zaprezentowane zostaną także fotografie opowiadające o tym, co działo się za kulisami sesji zdjęciowych.
Nihiliści i symbole
Wystawa „Leonid Sokov. Niezapomniane spotkania” zostanie otwarta 14 października w Galerii Trietiakowskiej na Krymskim Valu. W galerii zaprezentowane zostaną prace artysty i rzeźbiarza, jednego z czołowych przedstawicieli sztuki społecznej. Nazwa Sokova jest ściśle związana z pochodzeniem i rozwojem tego stylu. Artysta łączy w swoich pracach przedmioty codziennego użytku, symbole sakralne, znaki władzy, wizerunki masowego przekazu, a także elementy klasycznej sztuki światowej, motywy folklorystyczne i artefakty kultów pogańskich. Sokov proponuje spojrzeć na to wszystko w nowy sposób: nie bez powodu jedna z dużych wystaw jego prac w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w 2012 roku nosiła tytuł „Kąt widzenia”.
Format projektu w Galerii Trietiakowskiej jest nietypowy: obiekty zostaną włączone do wystawy stałej „Sztuka XX wieku”. Sokov będzie swego rodzaju przewodnikiem po wystawie. Jego prace staną się komentarzem do twórczości poprzedników. Widz od razu zrozumie, którzy autorzy i okresy są dla artysty najważniejsze, pod czyim wpływem uległ i z kim wdał się w spór. Podczas wystawy stałą wystawę Galerii Trietiakowskiej na Krymskim Valu uzupełnią dzieła rzeźbiarzy szczególnie cenionych przez Sokowa – V. Vatagina, D. Tsaplina, A. Matveeva.
W pogoni za sztuką
W dniach 15–23 października w Centralnym Domu Artystów po raz 41. odbędzie się Rosyjski Salon Antyków. Salon istnieje oczywiście nie tylko dla tych, którzy przychodzą do niego po zakupy i zakupy, ale także dla tych, którzy po prostu kochają dobrą sztukę. W tym roku w Salonie weźmie udział 250 galerii z różnych miast Rosji, a także uczestnicy z Niemiec, Włoch, USA, Francji, Armenii i Białorusi. Zwiedzający będą mogli obejrzeć obrazy dawnych mistrzów Europy Zachodniej oraz płótna krajowej szkoły realistycznej, biżuterię, przedmioty sztuki dekoracyjnej i użytkowej z różnych kontynentów i epok, porcelanę cesarską i radziecką, obrazy ikon, rarytasy bibliograficzne i antyczne meble.
W tym roku szczególnie licznie reprezentowana będzie sztuka Włoch: w Salonie udział wezmą galerie włoskie, które zaprezentują malarstwo i rzeźbę późnego renesansu oraz biżuterię przełomu XIX i XX wieku. Tematem wystawy non-profit salonu jest „Moją pasją jest polowanie”. Zwiedzający zobaczą eleganckie arkusze graficzne wyróżniające się dbałością o szczegóły i lekkością kompozycji autorstwa słynnego niemieckiego artysty i rytownika Johanna Eliasa Riedingera (1695-1767), dzieła holenderskiego malarza Philipa Wouwermana (1619-1668), rzadką kratę przedstawiającą polowanie na niedźwiedzia scena, wykonana przez rosyjskiego artystę Pawła Sokołowa (1821-1899), srebrne tabakierki ze scenami myśliwskimi, kufle myśliwskie wykonane ze srebra i kości, karafka z serwisu Pałacu Cesarskiego w Białowieży, miejsca, które kochali cesarze rosyjscy polować.
Przy okazji
Od 18 października do 30 października wejście do Gmachu Głównego Muzeum Puszkina. JAK. Puszkin dla wszystkich kategorii obywateli będzie bezpłatny. Informujemy, że promocja nie dotyczy wyłącznie wystawy „Rafael. Poezja obrazu”.
Ze zbiorów Instytutu Kostiumów w Kioto. Część 1: 1720-1770
Instytut Kostiumów Kyoto powstał w 1978 roku po pierwszym założeniu na pełną skalę
wystawy mody wysokiej w Japonii „Ubiór kreatywny 1909 - 1939”, ekspozycje,
skompilowany w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. Będąc pod wrażeniem
wyniki wystaw, prezes Wacoal Corporation (producent bielizny
w Japonii) Koi-chi Tsukamoto, a także wiceprezes Izby Przemysłowo-Handlowej
Kioto odpowiedziało na propozycję utworzenia instytucji w Japonii, gdzie byłoby to możliwe
systematyzować osiągnięcia mody zachodniej, prowadzić badania i
eksponować kosmetyki. Według japońskich przepisów
rządową agencję ds. kultury, którą założył pan Tsukamoto
Kwiecień 1978.
Odzież jest integralną częścią naszego życia i zmienia się wraz z nią
historia i społeczeństwo. Zwracając największą uwagę na odzież damską w stylu zachodnim,
Instytut Kostiumów w Kioto (KCI) systematycznie gromadzi i
zachowały wybitne przykłady ubioru zachodniego z różnych stuleci, a także dokumenty
i inne rzeczy związane z tym kierunkiem studiów. Studiując kulturę ubioru,
Instytut prowadzi ciekawe badania z zakresu socjologii, co pomaga
zrozumieć, jak zmiany zachodzące w społeczeństwie wpływają na modę jako całość. Zrozumienie wszystkiego
znaczenie takiej pracy, Yoshitaka Tsukamoto, obecny prezes Wacoal Corporation
i Prezes KCI, podąża za przykładem swojego ojca i wnosi wkład w Instytut
kompleksową pomoc. Od pierwszych dni swojego istnienia KCI robi wszystko
możliwość poszerzenia swojej wysokiej jakości kolekcji, co pomaga
tworzyć wystawy tematyczne, które wprowadzają widza nie tylko w kostium, ale także
z historią różnych krajów. 
KCI może poszczycić się najbogatszym wyborem strojów historycznych, bielizny,
obuwie i dodatki modowe od XVIII wieku do współczesności.
Począwszy od rzadkich skarbów, takich jak żelazny gorset z XVII wieku z haftem
stanik, a kończąc na dziełach współczesnych projektantów, takich jak Yves Saint Laurent i
Kolekcja Calvina Kleina daje szeroki przegląd ewolucji mody damskiej.
Początek XVIII wieku, Anglia
Lalka ta pochodzi z początków XVIII wieku. I choć ma proporcje dorosłej osoby
kobietą, ale jej strój jest strojem młodej dziewczyny. Wstążki i wybór tkanin włączone
pleców były konieczne, aby pomóc dziecku, które dopiero uczyło się chodzić. Ten sam
frędzle i wstążki stały się powszechne w sukienkach nastoletnich dziewcząt. W XVIII wieku były
lalki dla dzieci i były lalki - „przekaźniki” mody. Przed pojawieniem się magazynów o modzie
lalki ubrane według najnowszej mody przysłano z Paryża statkami królewskimi
aby przekazywać najnowsze trendy w modzie w całej Europie.
OK. 1720, Francja
„Sukienka z falbanką” (robe volante) pochodzi od stroju negligee (negligee (przestarzały) -
ubiór domowy, bezpretensjonalny, nieco swobodny), do którego był noszony
ostatnie lata panowania Ludwika XIV (1638-1715). Sukienka była używana
popularny jako strój wizytowy na początku XVIII wieku. Duża lotka
rękawy opadały z ramion, miękko „rozlewając się” wzdłuż spódnicy sukienki i były główne
detal charakteryzujący styl sukienki. I choć gorset zawsze był ciasno wiązany,
lejący, miękki rękaw i fałdy materiału sprawiały, że sukienka była przytulna i kreatywna
wrażenia łatwości i komfortu.
OK. 1740-1750, Anglia
Tkanina sukienki ozdobiona jest kwiatowym wzorem i dzięki temu mieni się
srebrna nić, zwana jedwabiem Spitalfields. Kontrast
pomiędzy niebieską jedwabną taftą i srebrną nicią tworzy harmonijny oszałamiający efekt
uroda. Cechą charakterystyczną tej sukienki – czyli Mantui – jest jej długość
pióropusz. Po obu stronach spódnica została podniesiona w biodrach wraz z trenem,
który, nawiasem mówiąc, był noszony w różnych wersjach. Tren był noszony luźno,
aby podkreślić swoją długość i luksus, lub (jak na zdjęciu) założoną na spódnicę.
Mantua była modna od lat siedemdziesiątych XVII wieku do początków XVIII wieku, ale w Anglii używano jej na przyjęciach
nosiło się je aż do końca XVIII wieku. Strój ten należał do rodziny Fursdon z
Devon (południowo-zachodnia Anglia).
OK. 1760, Francja
„Sukienka w stylu francuskim” („szata ? la française”). Sukienka średniej wielkości
Wiek XVIII charakteryzuje się delikatnymi, pastelowymi kolorami i różnorodnością
dekoracje artystyczne – wstążki, koronki i sztuczne kwiaty.
Zwłaszcza koronki stworzone przy użyciu najlepszych, ręcznie robionych technik,
Przede wszystkim zdobiono stroje ówczesnych pań. Wszędzie była koronka - na dekoltach,
gorsety, rękawy, czapki, rękawiczki i nadały sukienkom jeszcze bardziej luksusowego charakteru
pogląd. Produkcja koronek zajmowała szczególne miejsce w różnych regionach Włoch,
Francja, Belgia i te różne rodzaje koronek zostały nazwane od ich miejsca
produkcja.
OK. 1760, Anglia
„Sukienka w stylu francuskim” („szata ? la française”). Sukienka od przepięknej
jedwabna tafta i jedwab Spitalfields. Trzy rodzaje złota
nici i 11 nitek kolorowego jedwabnego motywu kwiatowego na białym brokacie
płótno. Złote i srebrne nici dodały sukience blasku. Oszałamiający projekt
tkanina ukazuje szczyt techniki wytwarzania jedwabiu Spitalfield z połowy XVIII wieku
wieki. Ta metoda wytwarzania jedwabiu została opracowana w XVIII wieku
w Spitalfield (w East Endzie w Londynie). Połowa XIX wieku, wysoka jakość
tkaniny mogłyby konkurować ze znanymi tkaninami z Lyonu (Francja). królowa
Charlotte (1744-1818), żona króla Anglii Jerzego III, chętnie nosiła suknię
z jedwabiu Spitalfield, aby zachęcać („reklamować”) tego typu materiał.
OK. 1760, Anglia
Typowa XVIII-wieczna „sukienka w stylu francuskim” („robe la fran?aise”).
Zwróć uwagę na złotożółty kolor kontrastujący z czarną koronką. W
Na samym początku kultury chrześcijańskiej żółty był uważany za kolor heretyków. Ale w
W Chinach żółty był kolorem cesarza i zwykłym ludziom nie wolno było go nosić.
kolor pod karą śmierci. W XVIII wieku nastała moda na wszystko, do czego doprowadziły Chińczycy
budząc nowe zainteresowanie kolorem żółtym i czyniąc go bardzo popularnym
fashionistki tamtych czasów. Również w tym stroju widzimy fichu ((francuski fichu) - cienki
trójkątny lub złożony na ukos szalik kwadratowy wykonany z lekkiej tkaniny (muślin,
cambric) lub koronka zakrywająca szyję i dekolt). Ten element pojawił się w
ubiór Francuzek z niższych i średnich warstw społeczeństwa w XVII wieku. Chusteczka na szyję
zakrywała popularny wówczas w damskich sukniach głęboki dekolt, ocieplający i ocieplający
zapewniając przyzwoity wygląd. Jednak panie często używały ryb w taki sposób, że
szalik raczej odsłaniał lub korzystnie wyolbrzymiał kobiece wdzięki niż
je ukrył).
OK. 1760, Francja
Klasyczna sukienka damska z okresu rokoko. Styl rokoko powstał we Francji ok
pierwsza połowa XVIII w. (w okresie regencji Filipa Orléańskiego), as
kontynuacja stylu barokowego. Charakterystycznymi cechami rokoka są wyrafinowanie,
duży ładunek dekoracyjny, pełen wdzięku rytm ozdobny, duży
dbałość o komfort osobisty. Stroje z tego okresu szyto z luksusowego jedwabiu
tkaniny, które zostały wyprodukowane w Lyonie (Francja). Sukienki, oprócz kunsztu
tkaniny haftowane, zdobione koronką, wstążkami, sztucznymi kwiatami,
czyniąc stroje zbyt luksusowymi i bogatymi.
OK. 1765, Francja
Ta sukienka została stworzona przy użyciu najbardziej złożonej i zachwycającej techniki epoki rokoka. Włókienniczy
z tak rozmytym wzorem nazywano „chin? la gałęzie” (w przybliżeniu – „chiński
technika”). Istota tej technologii była następująca: po pierwszej
proces tkania osnowy, który ma na celu połączenie nitek i uniknięcie ich przemieszczania
na stole drukarskim kolory są nanoszone ręcznie. Po procesie aplikacyjnym
kwiaty na podstawę tkaniny, jest ona ponownie umieszczana na krośnie i tkana
Wreszcie. Cechą charakterystyczną tych tkanin jest kolorystyka i kształty
rysunek pozostaje niewyraźny i niewyraźny. Technika ta była niezwykle pracochłonna,
a tkaniny z takimi wzorami powstały wyłącznie w Lyonie (Francja).
Zazwyczaj tą metodą tkano cienkie materiały, takie jak jedwabna tafta. Z
w połowie XVIII wieku bardzo modne było noszenie drogich strojów „chińskich”
technologia. Kwiaty takich tkanin miały uroczo delikatne pastelowe kolory. Szanowna Pani
Swoją drogą Pompadour miał bzika na punkcie strojów w „chińskiej technologii”, po co to
Styl ten nazywany jest również „Taffeta Pompadour”.
OK. 1770, Francja
Stanik sukienki w stylu „artysty” („comp?res”) składa się z dwóch zaworów (lewego i
prawy), zapinany na guziki. Wraz z wprowadzeniem tego stylu, obcisły stanik
które kobiety stale nosiły, przestały być konieczne. Zaczynając od tego
okresie strój damski stał się bardziej zrelaksowany i wygodny oraz stylowy
zyskując ogromną popularność po sztywnych, niewygodnych gorsetach.
OK. 1770, Anglia
Ta jedwabna sukienka Spitalfields charakteryzuje się wysokim poziomem materiału tekstylnego
Technologia powstała w połowie XVIII w. W tej żółtej sukience wpakowali się w kłopoty
Popularne wówczas motywy chińskie i greckie. Zachęcano do stylu „chińskiego”.
ludzi do obcych krajów, a ich egzotyczne piękno znalazło odzwierciedlenie
w zachodnim stylu. Tymczasem wykopaliska w starożytnym rzymskim mieście rozpoczęły się w 1738 roku
Herkulanum zostało spopularyzowane przez starożytny Rzym i Grecję
motywy.
OK. 1775, Francja
Sukienka ta ukazuje niesamowite możliwości haftu ręcznego. Strój zwycięża
wykwintna monochromatyczna tkanina, liczne dekoracje stworzone wyłącznie
igła z nitką. Stosowane są tu tradycyjne francuskie techniki szycia: „bouillonn?”,
w którym tkanina jest zebrana w duże fałdy, aby dodać objętości; „buti”
polegała na wypełnieniu bawełny pomiędzy dwiema pikowanymi warstwami
tekstylia; "tutaj?" - kiedy tkanina jest zwinięta w tubę, aby utworzyć te fale.
Wszystko to w połączeniu z delikatnymi zdobieniami i srebrną nicią nadaje wytworności
wyrafinowanie stylu rokoko.
OK. 1770-1775, Francja
Ta wykwintna suknia w stylu rokoko łączy w sobie subtelność i piękno,
wyrafinowanie i bogactwo. Połączenie kolorów i pasków to jeden z najpopularniejszych motywów
ten czas. A ten trend „easy look” cieszy się coraz większym zainteresowaniem.
w tym okresie XVIII w.
OK. 1770, Francja
Falbany, frędzle, szenile, wstążki, sztuczne kwiaty i koronki – to wszystko
niezbędne ozdoby do sukienek w stylu rokoko. I chociaż ta sukienka ma wszystko
te dekoracje wydają się przesadne, doskonale ze sobą współgrają i uzupełniają się.
Materiał sukni – jedwabny brokat – pochodzi z Lyonu – słynnego centrum jakości i
Projekt z XVIII w. Technika passementerie, polegająca na wplataniu kwiatów w tkaninę,
powstało we Francji w 1653 roku i osiągnęło szczyt swojego rozwoju w XVIII wieku.
OK. 1775, Francja
Ta sukienka jest wykonana z oszałamiającej tkaniny canel®, ozdobionej misternymi wzorami
kwiatowy wzór i kawałki futra. Do produkcji takiej tkaniny stosuje się ją
szenil, nici jedwabne, satyna i przędza skręcona. Ta sukienka od Madame Oberkampf (której
mąż stworzył nowoczesną drukarnię na przedmieściach Paryża - Jouy-en-Josas)
Noszona podczas audiencji u królowej Marii Antoniny w 1775 roku. 
Strój wieczorowy i casual
od Coco Chanel czy Paula Poireta, wyrafinowane kapelusze z modnych włoskich domów z początku ubiegłego wieku, wykwintna biżuteria i dodatki – wystawa spodoba się zarówno miłośnikom tamtej epoki, jak i znawcom mody.
Ubiór jest jednym z najważniejszych przejawów naszej egzystencji, jak uważają – i całkiem słusznie – w Instytucie Kostiumów w Kyoto. Specjaliści instytutu wiedzą, o czym mówią: od wielu lat mogą badać przedmioty z kolekcji odzieży, uważanej za jedną z największych na świecie. Instytut posiada naprawdę bogatą ofertę strojów historycznych, obuwia i dodatków modowych od XVIII wieku do współczesności.
Kiedy więc okazało się, że w Moskwie otwiera się wystawa, na której - po raz pierwszy w Rosji! - zostanie pokazana kolekcja odzieży damskiej z europejskich domów haute couture epoki Art Deco ze zbiorów Instytutu Kyoto; wielu metropolitalnych fashionistek, projektantów i znawców mody udało się do Moskiewskich Muzeów Kremla w celu szczegółowego przeglądu.
Dlaczego na wystawę wybrano motyw Art Deco? Jak powiedzieli nam kuratorzy na otwarciu wystawy, Muzea Kremla Moskiewskiego postanowiły zwrócić się do Art Deco jako niesamowitego zjawiska artystycznego i społeczno-kulturowego XX wieku: tego stylu żywej wyobraźni twórczej, inspirowanego klasyką europejską i modernizmem, kulturą starożytnych cywilizacji, tradycji ludowych oraz szybki rozwój postępu technologicznego, wpłynął na wszystkie rodzaje sztuki lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku. i do dziś nie straciło na aktualności.
Atrakcyjność odzieży damskiej jest również całkiem zrozumiała. W epoce Art Deco społeczno-kulturowa rola kobiet stała się bardziej znacząca, żywa i dynamiczna. Zmieniały się sylwetki damskich toalet, dążąc do swobodnych form, panie obcinały włosy na krótko i używały kosmetyków, co nieuchronnie wpłynęło na estetykę biżuterii i pojawienie się nowego rodzaju szlachetnych dodatków. Co ciekawe, większość próbek prezentowanych na wystawie została specjalnie odrestaurowana na potrzeby tego projektu i po raz pierwszy opuściła Japonię i Instytut. Wśród eksponatów znajdują się suknie i płaszcze wieczorowe, zestawy taneczne i koktajlowe, a także szczególny rodzaj eleganckich sukienek, który pojawiał się w kobiecych szafach w epoce Art Deco, zwany robe de style (stylowe sukienki).
Fascynująca jest także oszałamiająca biżuteria z lat 1910–1930. XX w., udostępnione przez partnerów wystawy, domy jubilerskie Cartier i Van Cleef & Arpels, wraz z oryginalnymi szkicami i fotografiami z ich archiwów. Po raz pierwszy odzież i biżuteria jako całość zostały zaprezentowane z inicjatywy Louisa Cartiera i Jeanne Lanvin w pawilonie „Elegancja” na wystawie Exposition Internationale des arts dcoratifs et industriels modernes (1925) w Paryżu – w rzeczywistości później nadał nazwę stylowi Art Deco.
Szczegóły w Posta-Magazine
Wystawa czynna do 11 stycznia 2017 r.
http://www.kreml.ru/
WWystawa „” w Muzea Kremla moskiewskiego będą czynne do 11 stycznia 2017 r. Wielkoformatowa wystawa - ideały piękna, najlepsze przykłady mody, biżuterii i grafiki epoki - prezentowana jest w Jednofilarowej Komnacie Pałacu Patriarchalnego i sali wystawowej Dzwonnicy Wniebowzięcia. Dowiedzieliśmy się, dlaczego nie może Cię tam zabraknąć.
„Szczerze mówiąc, wydawało się, że kostiumy w stylu Art Deco były piękniejsze na ilustracjach niż w rzeczywistości” – mówi kuratorka wystawy Svetlana Amelyokhina o grafikach w magazynie Jardin du Fashion, który później stał się podstawą Vogue.
Artyści wydań paryskich czerpali inspiracje ze Wschodu – grafika japońska XVIII-XIX w. robiła wrażenie nie tylko na impresjonistach. Egzotyka była historycznie lubiana przez europejską opinię publiczną w różnych epokach, a lata 20. i 30. – najbardziej „szalone” lata ubiegłego wieku – nie były wyjątkiem.
Niełatwo zgodzić się ze stwierdzeniem kuratorki: prezentowane na wystawie sukienki i kimona z Kyoto Costume Institute w niczym nie ustępują ilustracjom. Wśród eksponatów couture znajdują się nie tylko kostiumy francuskich reformatorów Coco Chanel i Paula Poireta, ale także torebki z koralikami i agatowe cukierki Cartier.
O epoce Art Deco
Termin „Art Deco” został po raz pierwszy użyty przez Le Corbusiera jako skrót od „sztuki dekoracyjne” – „sztuki dekoracyjnej” pokazanej w Paryżu na Międzynarodowej Wystawie w 1925 roku. Styl ten rozkwitł w okresie międzywojennym: Art Deco zastąpił secesję. Łączył elementy różnych nurtów – od klasycyzmu po chinoiserie, pasję do Wschodu.
Art Deco ucieleśnia radość życia i piękno okresu powojennego - Les années folles, „szalonych lat”, które zastąpiły głód i biedę. Czas Hemingwaya i Fitzgeralda, jazzu i emancypacji kobiet w ubiorze przypada właśnie na lata 20. i 30. XX wieku.
Estetyka Art Deco to święto, które zawsze towarzyszy Ci, a bale z „Wielkiego Gatsby’ego” to w zasadzie ostatni ważny styl o charakterze mieszczańskim.
„Dużo podróżowali, czytali, byli bardzo wykształceni i próbowali ożywić wszystko, co zobaczyli, połączyć to i zobaczyć, co z tego wyniknie. W rezultacie powstały arcydzieła” – mówi Amelyokhina.
Wysoka moda
Jednym z zdobyczy epoki były sukienki Paula Poireta – prosta sylwetka z niską talią, tak uwielbiana przez klapki – młode i niezależne dziewczyny, które palą i noszą fryzury typu bob.
Zastępuje je szata de style -sukienki z wąską talią i pełną spódnicą, które wprowadziła do mody Jeanne Lanvin.
Mniej znane obecnie siostry Callot skłaniały się ku bardziej liniowym sylwetkom, a jednocześnie nie pozbawiały swoich strojów bogatej dekoracji, dla której epoka otrzymała inną nazwę – „złote lata 20.”.
„Wszystkie eksponaty są interesujące na swój sposób, ale chciałbym zwrócić uwagę na ten konkretny strój sióstr Kallo” – mówi Makoto Ishizeki, kurator wystawy z Kyoto Costume Institute. -Pomimo tego, że ich atelier znajdowało się w Paryżu, inspirowali się elementami różnych kultur świata. W tej sukience japońskie motywy kwiatowe z sakurą łączą się z bogatym haftem perłowym, pochodzącym z Rosji. W tamtych czasach mody nie było granic.”
Odkopanie grobowca Tutanchamona w 1922 r. zapoczątkowało szał na Egipt, w tym na ubrania, które można zobaczyć w sukience Madeleine Vionnet.
Płaszcze reformatora, który wyzwolił kobiety od gorsetów, Paula Poireta, inspirowane są rosyjskim baletem. „Niebieski płaszcz ze skrzydłami przypomina umierającego łabędzia, ale to Iwan Carewicz z Ognistego ptaka” – opisuje je Ameliochina.
Wizytowa sukienka dworska z trenem. Dom mody „Worth”, Francja, 1914 / Sukienka domowa. Jedwabna krepa, jedwab habutai, haft. Japonia, lata 1900
Suknia wieczorowa. Projektantka mody Madeleine Vionnet (Vionnet) Francja, 1927 / Sukienka koronkowa. Dom mody „Boué Souers”, Francja, około 1923 r
Sukienka koktajlowa. Dom mody „Callot Soeurs”, Francja, zima 1922
Płaszcz wieczorowy. Projektant mody Paul Poiret, Francja, ok. 1925 r. / Płaszcz wieczorowy. Projektant mody Paul Poiret, Francja, około 1925 r
Suknia wieczorowa Chanel. Jedwabny urok, jedwabny tiul, haft. Francja, ok. 1922 r. / Suknia wieczorowa ze srebrnej lamy, srebra i haftu koralikowego. Projektant mody Paul Poiret. Francja, około 1920 r
Sukienka „Boué Soeurs”. Tafta, organdyna, jedwabna wstążka, haft, aplikacja. Francja, około 1923 r
Suknia wieczorowa. Projektantka mody Madeleine Vionnet (Vionnet). Muślin jedwabny ze srebrnymi nićmi lame, tiul, koraliki. Francja, ok. 1922 r. / Sukienka jedwabna. Projektantka mody Madeleine Vionnet (Vionnet). Jedwabna Charmeuse, jedwab Habutai, aplikacja. Francja, około 1922 r
Suknia wieczorowa Chanel. Jedwabna szarmeza, szyfon, tiul. Francja, ok. 1929 r. / Szal Coudurier-Fructus-Descher. Wzorzysty jedwab ze złotymi i srebrnymi nićmi lamé, jedwabne frędzle. Lyon, Francja, około 1925 roku
W sumie na wystawie zaprezentowano ponad sto pozycji, w tym suknie wieczorowe i odzież wierzchnią, wszystkie eksponaty z Instytutu Kostiumów w Kyoto. Wiele ze swojej twórczości zawdzięcza retrospektywie Art Deco w Nowym Jorku w 1973 roku, która swego czasu zainspirowała młodego Yamamoto, który namówił przyszłego dyrektora muzeum do przeniesienia wystawy do Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Kioto. Trzy lata później otwarto Instytut Kostiumów w Kioto.
„Naszą misją jest badanie mody zachodniej, która jest źródłem inspiracji dla współczesnej mody. Dlatego też w zbiorach muzeum znajduje się ponad 12 000 kostiumów od XVII wieku do współczesności, w tym dzieła takich domów jak Chanel, Christian Dior, Louis Vuitton oraz ponad tysiąc przedmiotów Comme des Garçons, które muzeum podarowały mu m.in. Rei Kawakubo” – mówi Makoto Ishizeki, kurator wystawy z Kyoto Costume Institute.
Akcesoria i biżuteria
Zmiany w kobiecym wyglądzie zaowocowały także pojawieniem się nowych dodatków – bombonierek i bandeau do chłopięcych fryzur. Zmieniły się także buty, projektanci zaczęli wykorzystywać nowe technologie.
„To wszystko są nowe materiały: celuloid, cyrkonie, metalowe koraliki. A skoro mowa o palecie i zasięgu, jaki wchłonął Art Deco: widzimy tu wszystko – niektóre kojarzą się bardziej z klasyką, inne z motywami orientalnymi, z nawiązaniami do sztuki japońskiej” – mówi kuratorka działu biżuterii Larisa Peshekhonova o fałszywych obcasach dla pań ' buty.
Kolejnym nowym zdobyczą epoki są płaskie bandeau, wysadzane diamentami, które zastępują bardziej tradycyjne tiary.Imponujący jest także naszyjnik z kołnierzykiem Van Cleef & Arpels, który wcześniej należał do egipskiej księżniczki Faizy, córki egipskiego króla Fuada I. Kilka lat temu został wystawiony na aukcji w Christie's za 4,2 miliona dolarów.
„Ten wyjątkowy naszyjnik jest jednym z najbardziej wyrazistych dzieł biżuterii na wystawie i wspaniałym przykładem modernistycznej estetyki Art Deco. Zawiera diamenty o szerokiej gamie szlifów, tworzące oszałamiającą grę świateł i efekt tęczy, a także 10 kolumbijskich szmaragdów o wadze 165 karatów. To niezwykły przykład białego stylu Art Deco w biżuterii” – mówi Peshekhonova.
Epoka ta wprowadziła także modę na perły, także sztuczne. Cartier i Van Cleef używali wyłącznie pereł naturalnych, choć zdarzały się wyjątki. Najciekawsza historia związana jest z nazwiskiem wielkiej projektantki mody Elsy Schiaparelli.
Kuratorka Larisa Peshekhonova mówi: „Schiaparelli przywiózł hodowlane perły firmie Cartier, która nigdy nie tworzyła biżuterii z takich materiałów. Ale słynny projektant mody zamówił bransoletkę -i okazało się, że to luksus. Zapięcie bransoletki przypomina abstrakcyjną rzeźbę wyrzeźbioną z onyksu. Są też diamenty o różnych kształtach, a bagietki ułożone są schodkowo. Jakże to efektownie wygląda, jak nowocześnie, a jednocześnie jest to ścisła klasyka. Niezależnie od tego, jakie geometryczne prace abstrakcyjne powstają w Cartier, zawsze są klasyczne, wyrafinowane, ponieważ Louis Cartier był fanem klasyki.
Naszyjnik z kołnierzem Van Cleef & Arpels. Platyna, szmaragdy, diamenty. Paryż, 1929. Kolekcja Van Cleef & Arpels / Kolczyki z frędzlami Van Cleef & Arpels. Platyna, szmaragdy, diamenty. Paryż, 1923
Koperta pudrowa kompaktowa Van Cleef & Arpels. Żółte złoto, czarna emalia. Paryż, około 1922 r
Bransoletka (wykonana na specjalne zamówienie). Cartier Paris, 1935 Platyna, białe złoto, rzeźbiony onyks, diamenty o szlifie brylantowym i bagietkowym, perły hodowlane; Zapięcie z onyksu, kolekcja Cartier
Zegarek z broszką Van Cleef & Arpels w stylu Art Deco. Platyna, diamenty, szafiry, onyks, czarna emalia. Paryż, 1924 / Broszka w stylu egipskim Van Cleef & Arpels. Platyna, diamenty, szmaragdy, szafiry, rubiny, czarna emalia. Paryż, 1924
Bandaż Cartiera. Platyna, diamenty o starym szlifie okrągłym, diamenty o szlifie rozetowym, oprawa grisant. Paryż, 1920
Kosmetyczka Van Cleef & Arpels „Blue Express”. Platyna, szmaragdy, szafiry, diamenty. Paryż, ok. 1931 r. Kolekcja Van Cleef & Arpels
Koperta pudrowa kompaktowa Van Cleef & Arpels. Żółte złoto, diamenty, czarna emalia. Paryż, 1923 / Etui podróżne „Chinese Vase” Cartier, Paryż, 1927. Złoto, platyna, onyks, szmaragdy, szafiry, koral, diamenty, diamenty o szlifie rozetowym, emalia. Kolekcja Cartiera
Kosmetyczka Van Cleef & Arpels Millefiori. Złoto białe i żółte, platyna, emalia czerwona, zielona i czarna, czerwony jaspis, diamenty, diamenty szlifowane. Paryż, 1928
Bandeau Cartier, Nowy Jork, 1924. Platyna, perły naturalne, diamenty okrągłe o starym szlifie, dwa diamenty w kształcie gruszki. Kolekcja Cartiera
Grafika
Trudno sobie wyobrazić świat Art Deco bez magazynów i gazet z epoki - ilustracje do Gazette du bon ton, Feuilles d'art i Robes et femmes są teraz eksponatami muzealnymi. Czasem nawet magazyny należały do couturiers, jak „Jardin du Mode” ” autorstwa Paula Poireta i jego wydawcy Luciena Vogela.
Ilustracja „...a oto moje serce, które bije tylko dla Ciebie; Van Cleef & Arpels 22 Place Vendôme. Paryż". Feuillets d'art, 1919, nr 3. Charles Martin / Ilustracja „Dziewica jest anamitką; suknia wieczorowa marki Deuillet, obszyta wstążką. La Gazette du bon ton:
Ilustracja „Sierpień 1914” autorstwa Georgesa Lepape’a. Modes et Manières d'Aujourd'hui. Paryż, 1914 / Ilustracja „Pożegnanie”. Modes et manières d'aujourd'hui 1914–1919. Paryż, 1921. Georges Lepape
Ilustracja „Wyrok Paryża”. Falbalas et fanfreluches - Almanach des modes présentes, passées et futures pour 1924. Paryż, 1924. Georges Barbier / Ilustracja „Zostaw mnie w spokoju!”. Feuillets d'art, 1919, nr 2 Paryż, 1919. Georges Barbier
Ilustracja „Prolog, czyli komedia na zamku”. La Gazette du bon ton: sztuka, tryby i frywolność, Juillet 1920, nr 6 Paryż, 1920, Pierre Brissot / Ilustracja „Co zrobisz! Suknia wieczorowa marki Worth. La Gazette du bon ton: sztuka, tryby i frywolność, Juille
Art Deco to epoka, która rozkwitła prawie sto lat temu, ale nigdy nie przestajemy się nią inspirować. „Specjaliści zajmujący się historią kostiumu i mody argumentowali dotychczas, że moda powraca mniej więcej co 70 lat, podobnie jak zainteresowanie kostiumami. To prawda, jest to dla nas wszystkich oczywiste, ale wydaje mi się, że to nie jest okres 70, ale 100 lat. Ponieważ kostiumy, które teraz wystawiamy, moim zdaniem są niezwykle aktualne. Każda modna dama z wielką przyjemnością założyłaby niemal każdy z nich lub poprosiłaby krawcowe o powtórzenie tego – mówi Swietłana Ameliochina.
Wystawa czynna jest dla zwiedzających w godzinach 10:00-17:00 codziennie z wyjątkiem czwartku. Szczegóły i bilety można znaleźć na stronie wystawy pod tym linkiem.
Czy sukienki mogą być dziełami sztuki? Tak, powiem ci. Oto sukienki, które przywieziono do Moskwy z Kyoto Costume Institute (Japonia). Poniżej zobaczycie zdjęcia z kremlowskiej strony internetowej, jednak zapewniam, że nie oddają one w pełni piękna tych strojów. Ich linie, wykończenia, tekstury, kolory, krój i krawiectwo są perfekcyjne, wszystko zachwyca...
„Kyoto Costume Institute jest jednym z czterech najlepszych muzeów mody na świecie i posiada rzadką kolekcję damskich sukienek i akcesoriów wybitnych europejskich firm i projektantów mody pierwszej tercji XX wieku, takich jak Chanel, Worth, Poiret, Lucille, Paquin, Callot Sisters, Lanvin, Boué Sisters, Fortuny i in. To właśnie te domy mody, wybierając na początku XX wieku nowy, nowoczesny kierunek w sztuce tworzenia kostiumów, określiły perspektywy jej rozwoju aż do do dnia dzisiejszego” – napisano na stronie wystawy (więcej informacji można przeczytać tam).
Sukienka Robe de Style marki Jeanne Lanvin.
Francja, około 1925 r
Tafta jedwabna, koronka, szyfon, koraliki, cyrkonie, błyskotki, kryształki; tkanie, haftowanie, tkanie.
Suknia dworska uroczysta (prezentacyjna?). Dom mody „Warto”.
Francja, 1914
Tafta srebrna, tiul jedwabny, cekiny, cyrkonie, kwiaty ze sztucznego jedwabiu; tkactwo, haft z cekinami i dżetów.
Dom mody „Siostry Callo”
Francja, zima 1922
Brokat wzorzysty, koraliki, frędzle; tkactwo, koraliki, tkanie.
Ze zbiorów Instytutu Kostiumów w Kioto. Zdjęcie © Takashi Hatakeyama
Płaszcz. Projektant mody – Paul Poiret
Francja(?), ok. 1925 r
Jedwabny aksamit, złota nić, koraliki; tkanie, haftowanie.
Ze zbiorów Instytutu Kostiumów w Kioto. Zdjęcie © Takashi Hatakeyama
Japonia, lata 1900
Krepa jedwabna, jedwab habutai, nici jedwabne; tkanie, haftowanie.
Ze zbiorów Instytutu Kostiumów w Kioto
Dom mody „Siostry Bue”
Francja, około 1923 r
Tafta, organdyna, jedwabna wstążka; tkactwo, haft, aplikacja.
Ze zbiorów Instytutu Kostiumów w Kioto. Zdjęcie © Takashi Hatakeyama
Suknia wieczorowa marki Madeleine Vionnet
Francja, 1927
Jedwabna gaza, złota nić, brązowy sznur, frędzle; tkanie, haftowanie, tkanie.
Ze zbiorów Instytutu Kostiumów w Kioto. Zdjęcie © Takashi Hatakeyama
Oprócz kostiumów na wystawie prezentowana jest także biżuteria z okresu od lat 10. do 30. XX wieku. wybitne domy jubilerskie Cartiera I Van Cleefa i Arpelsa wraz z oryginalnymi szkicami i fotografiami z archiwum.
Puder proszkowy od Van Cleef & Arpels „Le Train Bleu” (bardziej przyzwyczajony jestem do nazywania tego pociągu „The Blue Express”, pisałem o tym w poście o „Blue Lanvin”).
Paryż, około 1931 r
Platyna, szmaragdy, szafiry, diamenty.
Kolekcja Van Cleefa i Arpelsa
Ciekawa historia jego powstania.
Wolfe „Babe” Barnato, prezes firmy Bentley i zwycięzca wyścigu Le Mans w latach 1928–1930, wygrał zakład raz. W marcu 1931 (według niektórych wersji 1930) wziął udział w wyścigu na Bentley Speed Six przeciwko ekspresowi Niebieski pociąg. Babe postawił 100 funtów na to, że jako pierwszy dotrze do jego klubu, który znajduje się nawet nie w Calais, ale w Londynie. Chcąc uwiecznić ten wyczyn i przeprosić żonę (!) za długą nieobecność, zamówił dla niej w prezencie tę platynową kosmetyczkę.
Etui podróżne „Chiński wazon” w modnym stylu „giardinetto”.
Cartiera
Paryż, 1927
Złoto, platyna, onyks (obudowa), szmaragdy, szafiry, koral, diamenty, diamenty o szlifie rozetowym, beżowa, czerwona, biała, zielona, żółta i czarna emalia.
Kolekcja Cartiera
Bandeau od Cartiera
Nowy Jork, 1924
Platyna, perły naturalne, stare diamenty okrągłe, dwa diamenty w kształcie gruszki.
Kolekcja Cartiera
Naszyjnik z kołnierzem dla egipskiej księżniczki Faizy, stworzony w 1929 roku
Van Cleefa i Arpelsa.
Wystawa czynna od 30 września 2016 do 11 stycznia 2017 w godzinach 10:00-17:00 z wyjątkiem czwartków.
Uwielbiam Art Deco, dlatego mam mnóstwo wpisów poświęconych modzie tamtych czasów.
Przypomnę Ci kilka.
O biżuterii:
Film „Mowa króla”, naszyjnik z możliwością transformacji od Van Cleef & Arpels.
