„RG” a ales cele mai interesante cinci expoziții din octombrie. Capodoperele create de Coco Chanel vor fi prezentate la Kremlinul din Moscova. La Garage Center for Contemporary Art, expoziția „Testimony” va reuni lucrări ale lui Francisco Goya și Sergei Eisenstein. La Centrul pentru Fotografie. Frații Lumiere vor prezenta o expoziție de fotografii ale lui Mihail Baryshnikov realizată de Robert Whitman. La Galeria Tretiakov de pe Krymsky Val, liderul Sots Art, Leonid Sokov, va comenta expoziția permanentă cu lucrările sale. Iar Salonul de antichități rusești va avea loc pentru a 41-a oară la Casa Centrală a Artiștilor.
Lux elegant
Expoziția „Eleganța și luxul Art Deco” a fost deschisă în Camera cu un singur stâlp a Kremlinului din Moscova. Institutul Costumelor Kyoto, casele de bijuterii Cartier și Van Cleef & Arpels vor aduce sute de exponate la Moscova pentru prima dată pentru a povesti despre epoca Art Deco. Aceasta este o colecție de îmbrăcăminte pentru femei de la casele haute couture europene din colecția Institutului de costume din Kyoto (Japonia), precum și bijuterii din anii 1910-1930, inclusiv primele și foarte rare lucrări realizate în stilul timpuriu al acestei mișcări neobișnuite. .
Institutul Costumelor Kyoto este unul dintre cele mai bune patru muzee de modă din lume și deține o colecție rară de rochii și accesorii pentru femei de la companii și designeri de modă remarcabili din prima treime a secolului XX. Rochii de seara, paltoane, ansambluri de dans si cocktail, precum si un tip special de rochii elegante robe de style (sunt rochii cu fuste pline cu crinoline). Îmbrăcămintea și accesoriile de lux prezentate în cadrul expoziției au fost create de designeri de modă de renume mondial precum Coco Chanel, Charles Worth, Paul Poiret, Jeanne Paquin, Jeanne Lanvin și surorile Callot. Exponatele vor fi completate cu fotografii din arhive.
Art Deco a revoluționat moda în secolul al XX-lea. În epoca Art Deco, rolul femeii în societate a devenit din ce în ce mai important. În anii 1920 și 30, doamnele se tunseau scurte, purtau machiaj luminos, fumau ostentativ, iar siluetele vestimentare deveneau mai largi. Această epocă continuă să emoționeze mințile multor reprezentanți ai sexului frumos și să inspire designeri și designeri de modă moderni. Expoziția este un must-see pentru toate fashionistele și pentru cei care se apropie de ele.
Vremurile nu aleg
Expoziția „Mărturii” este programată să fie deschisă la Centrul Garaj de Artă Contemporană pe 1 octombrie. Expoziția va prezenta lucrări ale lui Francisco Goya (1746-1828), Serghei Eisenstein (1898-1948) și Robert Longo (n. 1953). Trei artiști, trei generații, trei epoci. Ceea ce au în comun este că au fost martori la schimbarea tumultoasă a vremurilor, supraviețuind haosului revoluției, tulburărilor civile și războiului. Goya a servit biserica și regele, Eisenstein a servit statul, iar Longo a creat în secolul al XX-lea, în ciuda dominației comerțului în artă. Fiecare dintre ei a câștigat recunoaștere pentru practica lor artistică independentă, provocând așteptările și cerințele societății. În căutarea tehnicilor inovatoare, participanții la expoziție s-au orientat către diverse forme - de la pictura și gravura tradițională la sculptură, cinema și performance, dar principalul instrument de vizualizare a ideilor pentru fiecare dintre ei a rămas întotdeauna desenul.
Vizitatorii expoziției vor putea vedea 43 de desene neexpuse anterior ale lui Eisenstein de la Arhiva de Stat de Literatură și Artă a Rusiei. Acestea vor fi prezentate împreună cu fragmente din șapte filme ale lui Eisenstein, prezentate cu încetinitorul, astfel încât fiecare cadru să poată fi perceput ca o imagine separată. Tot în sălile Garajului vor fi expuse în premieră 49 de gravuri ale lui Goya din colecția Muzeului Central de Stat de Istorie Contemporană a Rusiei și peste 30 de desene de format mare ale lui Longo, realizate de acesta în ultimii cinci ani.
Nu poți să nu te îndrăgostești
La Centrul pentru Fotografie. Frații Lumiere vor prezenta în perioada 11 octombrie - 22 ianuarie 2017 expoziția lui Robert Whitman "Mikhail Baryshnikov. Metafizica corpului". La Moscova vor fi prezentate peste 60 de fotografii ale unuia dintre cei mai remarcabili dansatori ai secolului XX, interpretate de unul dintre cei mai celebri fotografi americani lucios.
Whitman și Baryshnikov au lucrat împreună în studio de cinci ori. Cinci întâlniri creative din 1995 până în 2015 au rezultat în cinci serii fotografice. Indiferent de ocazie, camera surprinde întotdeauna grația și carisma fascinantă a lui Baryshnikov, admirate de poetul Joseph Brodsky, printre multe. În „Dialoguri...” cu Solomon Volkov, Brodsky notează: „Când îl văd pe Baryshnikov pe scenă, sentimentul este absolut uimitor. Chiar cred că acesta nu este deloc balet - ceea ce face el. În opinia mea, acesta este metafizica pură a corpului. Ceva care depășește cu mult granițele baletului. Mihail Baryshnikov este un fel de corp inteligent care poartă întreaga lume în sine." Într-un cuvânt, privind fotografiile lui Baryshnikov, nu se poate să nu se îndrăgostească de el.
Cea mai veche serie „Aroma” prezentată în expoziție a fost creată în 1995 în sprijinul campaniei de publicitate pentru parfumul lui Baryshnikov. Zece ani mai târziu, seria 2015 este cea mai recentă. Cum s-a schimbat dansatorul, ce metamorfoze au avut loc? Este incredibil de interesant de urmărit. Expoziția va prezenta și fotografii care vorbesc despre ceea ce s-a întâmplat în culisele ședințelor foto.
Nihilişti şi simboluri
Expoziția „Leonid Sokov. Întâlniri de neuitat” se va deschide la Galeria Tretiakov din Krymsky Val pe 14 octombrie. Galeria va expune lucrări ale artistului și sculptorului, unul dintre principalii reprezentanți ai artei sociale. Numele Sokova este strâns legat de originea și dezvoltarea acestui stil. Artistul combină în lucrările sale lucruri cotidiene, simboluri sacre, semne de putere, imagini ale mass-media, precum și elemente de artă clasică mondială, motive folclorice și artefacte ale cultelor păgâne. Sokov se oferă să privească toate acestea într-un mod nou: nu este fără motiv că una dintre expozițiile la scară largă ale lucrărilor sale de la Muzeul de Artă Modernă din 2012 a fost numită „Unghiul de vedere”.
Formatul proiectului de la Galeria Tretiakov este neobișnuit: obiectele vor fi incluse în expoziția permanentă „Arta secolului al XX-lea”. Sokov va acționa ca un fel de ghid prin expoziție. Lucrările sale vor deveni un comentariu la lucrările predecesorilor săi. Privitorul va înțelege imediat care autori și perioade sunt cei mai importanți pentru artist, sub influența cărora a căzut și cu cine a intrat într-o ceartă. În cadrul expoziției, expoziția permanentă a Galeriei Tretiakov de pe Krymsky Val va fi completată cu lucrări ale sculptorilor deosebit de apreciați de Sokov - V. Vatagin, D. Tsaplin, A. Matveev.
La vânătoarea de artă
În perioada 15-23 octombrie, la Casa Centrală a Artiștilor va avea loc pentru a 41-a oară Salonul de antichități rusești. Salonul există, desigur, nu numai pentru cei care vin acolo să cumpere și să cumpere, este și pentru cei care iubesc pur și simplu arta bună. În acest an, la Salon vor participa 250 de galerii din diverse orașe rusești, precum și participanți din Germania, Italia, SUA, Franța, Armenia și Belarus. Vizitatorii vor putea vedea picturi ale maeștrilor vechi din Europa de Vest și pânze ale școlii realiste interne, bijuterii, obiecte de artă decorativă și aplicată de pe diferite continente și epoci, porțelan imperial și sovietic, picturi cu icoane, rarități bibliografice și mobilier antic.
În acest an, arta Italiei va fi reprezentată pe scară largă: galerii italiene vor lua parte la Salon, care va expune pictură și sculptură ale Renașterii târzii și bijuterii de la începutul secolelor XIX-XX. Tema expoziției non-profit a salonului este „Pasiunea mea este vânătoarea”. Vizitatorii vor vedea foile grafice elegante remarcate prin detalii fine și ușurința compoziției ale celebrului artist și gravor german Johann Elias Riedinger (1695-1767), lucrări ale pictorului olandez Philip Wouwerman (1619-1668), un spalier rar înfățișând o vânătoare de urs. scenă, realizată de artistul rus Pavel Sokolov (1821-1899), tabaturi de argint cu scene de vânătoare, căni de bere de vânătoare din argint și os, un decantor din slujba Palatului Imperial din Bialowieza, locul în care împărații ruși iubeau a vana.
Apropo
Din 18 octombrie până pe 30 octombrie, intrarea în clădirea principală a Muzeului Pușkin. LA FEL DE. Pușkin pentru toate categoriile de cetățeni va fi gratuit. Vă rugăm să rețineți că promoția nu se aplică doar expoziției „Rafael. Poezia imaginii”.
Colecția Institutului de costume din Kyoto. Partea 1: 1720-1770
Institutul Costumelor Kyoto a fost înființat în 1978, după primul la scară largă
expoziții de înaltă modă în Japonia „Haine creative 1909 - 1939”, expoziții,
compilat la Metropolitan Museum of Art din New York. A fi impresionat de
rezultatele expoziției, președinte Wacoal Corporation (producător de lenjerie intimă
în Japonia) Koi-chi Tsukamoto, precum și vicepreședinte al Camerei de Comerț și Industrie
Kyoto a răspuns propunerii de a crea o instituție în Japonia unde ar fi posibil
sistematizează realizările modei occidentale, efectuează cercetări și
afișează articole de toaletă. Conform reglementărilor japoneze
agenție guvernamentală pentru afaceri culturale, domnul Tsukamoto a fondat-o în
aprilie 1978.
Îmbrăcămintea este o parte integrantă a vieții noastre și se schimbă odată cu
istoria si societatea. Acordând cea mai mare atenție îmbrăcămintei pentru femei în stil occidental,
Institutul Costumelor Kyoto (KCI) colectează sistematic și
păstrează exemple remarcabile de îmbrăcăminte occidentală din diferite secole, precum și documente
și alte lucruri legate de acest domeniu de studiu. Studiind cultura îmbrăcămintei,
Institutul efectuează cercetări interesante în domeniul sociologiei, care ajută
înțelege modul în care schimbările din societate afectează moda în ansamblu. Înțelegând totul
importanța unei astfel de lucrări, Yoshitaka Tsukamoto, actualul președinte al Wacoal Corporation
și președinte al KCI, urmează exemplul tatălui său și contribuie la Institut
asistență cuprinzătoare. Încă din primele zile de existență, KCI a făcut totul
posibil să-și extindă colecția de înaltă calitate, ceea ce ajută
creați expoziții tematice care introduc privitorul nu numai în costum, ci și
cu istoria diferitelor țări. 
KCI se mândrește cu cea mai largă selecție de costume istorice, lenjerie,
încălțăminte și accesorii de modă datând din secolul al XVIII-lea până în prezent.
Începând cu comori rare, cum ar fi un corset de fier din secolul al XVII-lea cu brodat
corsaj și terminând cu lucrările designerilor moderni precum Yves Saint Laurent și
Colecția Calvin Klein oferă o privire de ansamblu asupra evoluției modei feminine.
Începutul secolului al XVIII-lea, Anglia
Această păpușă datează de la începutul secolului al XVIII-lea. Și deși are proporțiile unui adult
femeie, dar rochia ei este cea a unei fete tinere. Panglici și selecții de țesături
spatele erau necesare pentru a ajuta un copil care tocmai învața să meargă. Aceeași
ciucurii și panglicile au devenit comune în rochiile adolescentelor. În secolul al XVIII-lea existau
păpuși pentru copii și au existat păpuși - „transmițători” de modă. Înainte de apariția revistelor de modă,
păpușile îmbrăcate în ultimă modă erau trimise de la Paris cu corăbii regale
pentru a transmite cele mai recente tendințe de modă în toată Europa.
BINE. 1720, Franța
„Rochie volantă” (robe volante) provine din ținuta negligee (negligee (învechit) -
îmbrăcăminte familiară, nepretențioasă, oarecum lejeră) pentru care se purta
ultimii ani ai domniei lui Ludovic al XIV-lea (1638-1715). Rochia a fost folosită
populară ca îmbrăcăminte formală la începutul secolului al XVIII-lea. Volan mare
mânecile cădeau de pe umeri, „întinzându-se” ușor de-a lungul fustei rochiei și era principalul
detaliu care caracterizează stilul rochiei. Și deși corsetul a fost întotdeauna strâns,
mâneca moale curgătoare și pliurile de țesătură au făcut rochia confortabilă, creând
impresii de ușurință și confort.
BINE. 1740-1750, Anglia
Țesătura rochiei este decorată cu un model floral și strălucește datorită
fir de argint, numit mătase Spitalfields. Contrast
între tafta de mătase albastră și fir argintiu creează o uimire armonioasă
frumuseţe. Particularitatea acestei rochii - sau Mantua - este lunga
penaj. Pe ambele părți, suprafusta era ridicată de șolduri, împreună cu o trenă,
care, de altfel, a fost purtat în diferite versiuni. Trenul a fost purtat fie liber,
pentru a-și etala lungimea și luxul sau (ca în fotografie) îndoit peste fustă.
Mantua a fost la modă din anii 1670 până la începutul secolului al XVIII-lea, dar în Anglia a fost folosit la recepții
a continuat să fie purtat până la sfârșitul secolului al XVIII-lea. Această ținută a aparținut familiei Fursdon din
Devon (sud-vestul Angliei).
BINE. 1760, Franța
„Rochie în stil francez” („robe ? la fran?aise”). Rochie Mid Woman
Secolul al XVIII-lea este caracterizat de culori moi, pastelate și o varietate de
decoratiuni artistice - panglici, dantela si flori artificiale.
În special șireturile create folosind cele mai bune tehnici lucrate manual,
Mai presus de toate, ținutele doamnelor de atunci erau decorate. Era dantelă peste tot - pe decolteuri,
corsete, mâneci, pălării, mănuși și au dat rochiilor și mai luxoase
vedere. Producția de dantelă a ocupat un loc special în diferite regiuni ale Italiei,
Franța, Belgia și aceste diferite tipuri de dantelă au fost numite după locul lor
producție.
BINE. 1760, Anglia
„Rochie în stil francez” („robe ? la fran?aise”). Rochie de la superba
tafta de mătase și mătase Spitalfields. Trei tipuri de aur
fire și 11 fire de mătase colorată țesute cu design floral pe brocart alb
pânză. Fire de aur și argint au adăugat strălucire rochiei. Design uimitor
țesătura arată înălțimea tehnicii de fabricare a mătăsii Spitalfield de la mijlocul secolului al XVIII-lea
secole. Această metodă de fabricare a țesăturii de mătase a fost dezvoltată în anii 1700
în Spitalfield (în East End al Londrei). Mijlocul anilor 1800, de înaltă calitate
țesăturile ar putea concura cu binecunoscutele țesături din Lyon (Franța). Regină
Charlotte (1744-1818), soția regelui George al III-lea al Angliei, a purtat rochia de bunăvoie
din mătase Spitalfield pentru a încuraja („reclamă”) acest tip de material.
BINE. 1760, Anglia
O „rochie în stil francez” tipic din secolul al XVIII-lea („robe la fran?aise”).
Observați culoarea galben-aurie care contrastează cu dantelă neagră. ÎN
La începutul culturii creștine, galbenul era considerat culoarea ereticilor. Dar în
În China, galbenul era culoarea împăratului, iar oamenilor de rând le era interzis să-l poarte.
culoare sub pedeapsa cu moartea. În secolul al XVIII-lea, moda pentru tot ceea ce ducea chinezești
trezind un nou interes pentru culoarea galbenă și făcând-o foarte populară printre
fashioniste din acea vreme. Tot în această ținută vedem fichu ((fichu franceză) - subțire
eșarfă pătrată triunghiulară sau pliată în diagonală din țesătură ușoară (muslină,
cambric) sau dantelă care acoperă gâtul și decolteul). Acest articol a apărut în
îmbrăcămintea femeilor franceze din păturile inferioare și mijlocii ale societății în secolul al XVII-lea. Fichu
acoperit decolteul adânc popular la acea vreme pe o rochie de doamnă, încălzire și
asigurând un aspect decent. Cu toate acestea, doamnele foloseau adesea peștele în așa fel încât
eșarfa mai degrabă a dezvăluit sau a exagerat în mod favorabil farmecele feminine mai degrabă decât
le-a ascuns).
BINE. 1760, Franța
Rochie clasică de damă din perioada rococo. Stilul rococo își are originea în Franța în
prima jumătate a secolului al XVIII-lea (în timpul regenţei lui Philippe d'Orléans), ca
continuarea stilului baroc. Trăsăturile caracteristice ale rococo sunt sofisticarea,
mare încărcătură decorativă, ritm ornamental grațios, mare
atentie la confortul personal. Ținutele acestei perioade au fost realizate din mătase luxoasă
țesături care au fost produse la Lyon (Franța). Rochii, în plus față de artistic
țesături brodate, decorate cu dantelă, panglici, flori artificiale,
făcând ținutele excesiv de luxoase și bogate.
BINE. 1765, Franța
Această rochie a fost creată folosind cea mai complexă și încântătoare tehnică a epocii rococo. Textile
cu un astfel de model neclar se numea „chin?? la branch” (traducere aproximativă – „chineză
tehnica"). Esenţa acestei tehnologii a fost următoarea: după prima
procesul de țesere a urzelii, care servește la conectarea firelor și la evitarea deplasării acestora
pe masa de imprimare, culorile le sunt aplicate manual. După procesul de aplicare
flori pe baza țesăturii, este din nou așezat pe războaie și țesut
in cele din urma. O caracteristică distinctivă a acestor țesături este că culorile și formele
desenul rămâne neclar și neclar. Această tehnică a fost extrem de intensivă în muncă,
iar țesăturile cu astfel de modele au fost fabricate exclusiv în Lyon (Franța).
De obicei, materialele subțiri, cum ar fi tafta de mătase, erau țesute folosind această metodă. CU
la mijlocul secolului al XVIII-lea era foarte la modă să aibă ținute scumpe făcute în „chineză”
tehnologie. Florile unor astfel de țesături erau culori pastelate încântător de moi. Doamnă
Pompadour, apropo, era înnebunit după ținutele în „tehnologia chineză”, pentru care asta
Stilul este, de asemenea, supranumit „Taffeta Pompadour”.
BINE. 1770, Franța
Corsetul rochiei în stilul „animator” („comp?res”) este format din două valve (stânga și
dreapta), prins cu nasturi. Odată cu introducerea acestui stil, corsetul strâns,
pe care femeile le purtau constant au încetat să mai fie necesare. Pornind de la asta
perioadă, rochia femeilor a devenit mai relaxată și confortabilă, iar stilul
câștigând o popularitate enormă după corsete rigide, incomode.
BINE. 1770, Anglia
Această rochie din mătase Spitalfields demonstrează un nivel înalt de material textil
tehnologie realizată la mijlocul secolului al XVIII-lea. Au avut probleme în rochia asta galbenă
Motive chinezești și grecești populare la acea vreme. Stilul „chinezesc” încurajat
oameni în țări străine, iar frumusețile lor exotice au fost reflectate
în moda occidentală. Între timp, săpăturile din orașul roman antic au început în 1738
Herculaneum a fost făcut popular de către romanii și grecii antici
motive.
BINE. 1775, Franța
Această rochie prezintă abilitățile uimitoare ale broderiei de mână. Ținuta cucerește
țesătură monocromă rafinată, numeroase decorațiuni create numai
ac si ata. Tehnicile tradiționale de cusut franceze sunt folosite aici: „bouillonn?”,
în care țesătura este adunată în pliuri mari pentru a adăuga volum; "boutis"
consta în umplerea bumbacului între două straturi matlasate
țesături; "tuyaut?" - când materialul este rulat într-un tub pentru a crea aceste valuri.
Toate acestea, împreună cu decorațiunile delicate și firul de argint, transmit un rafinat
rafinamentul stilului rococo.
BINE. 1770-1775, Franța
Această rochie rafinată în stil rococo combină subtilitatea și frumusețea,
rafinament și bogăție. Combinația de culori și dungi este unul dintre motivele populare
acel timp. Și această tendință „easy look” câștigă din ce în ce mai mult interes.
în această perioadă a secolului al XVIII-lea.
BINE. 1770, Franța
Volane, franjuri, chenille, panglici, flori artificiale și dantelă - toate acestea
decoratiuni necesare pentru rochii in stil rococo. Și deși această rochie are de toate
aceste decoratiuni par excesive, se inteleg perfect si se completeaza.
Tesatura rochiei - brocart de matase - provine din Lyon - faimosul centru al calitatii si
Design din secolul al XVIII-lea. Tehnica pasageriei, în care florile sunt țesute pe țesătură,
a apărut în Franța în 1653 și a atins apogeul dezvoltării sale în secolul al XVIII-lea.
BINE. 1775, Franța
Această rochie este realizată din uimitoare țesătură canel, împodobită cu complexe
design floral și bucăți de blană. La fabricarea unei astfel de țesături se folosește
chenille, fire de mătase, satin și fire răsucite. Această rochie de Madame Oberkampf (a cărei
soțul a creat o producție de tipografie modernă în suburbiile Parisului - Jouy-en-Josas)
Purtat pentru o audiență cu regina Maria Antonieta în 1775. 
Imbracaminte de seara si casual
de la Coco Chanel sau Paul Poiret, pălării sofisticate de la casele italiene la modă la începutul secolului trecut, bijuterii și accesorii rafinate - expoziția va atrage atât fanii acelei epoci, cât și experții în modă.
Îmbrăcămintea este una dintre cele mai importante manifestări ale existenței noastre, cred ei – și pe bună dreptate – la Kyoto Costume Institute. Specialiștii institutului știu despre ce vorbesc: de mulți ani pot studia articole din colecția lor vestimentară, care este considerată una dintre cele mai mari din lume. Institutul are o selecție cu adevărat largă de costume istorice, pantofi și accesorii de modă din secolul al XVIII-lea până în zilele noastre.
Așa că, când a devenit cunoscut faptul că la Moscova se deschidea o expoziție, la care - pentru prima dată în Rusia! - va fi prezentată o colecție de îmbrăcăminte pentru femei de la casele haute couture europene din epoca Art Deco din colecția Institutului Kyoto; multe fashioniste metropolitane, designeri și experți în modă au mers la Muzeele Kremlinului din Moscova pentru o inspecție detaliată.
De ce a fost aleasă tema Art Deco pentru expoziție? După cum ne-au spus curatorii săi la vernisajul expoziției, Muzeele Kremlinului din Moscova au decis să apeleze la Art Deco ca un fenomen artistic și sociocultural uimitor al secolului al XX-lea: acest stil de imaginație creativă vie, inspirată de clasicii și modernismul european, de cultură. a civilizațiilor antice, tradițiile populare și dezvoltarea rapidă a progresului tehnologic, au afectat toate tipurile de artă în anii 1920 și 1930. și nu și-a pierdut actualitatea până astăzi.
Atractia în special pentru îmbrăcămintea pentru femei este, de asemenea, destul de de înțeles. În timpul erei Art Deco, rolul sociocultural al femeii a devenit mai semnificativ, mai vibrant și mai dinamic. Siluetele toaletelor pentru femei s-au schimbat, străduindu-se după forme libere; doamnele și-au tuns părul scurt și au folosit produse cosmetice, care au afectat inevitabil estetica bijuteriilor și apariția unor noi tipuri de accesorii prețioase. Interesant este că majoritatea mostrelor prezentate la expoziție au fost restaurate special pentru acest proiect și au părăsit Japonia și Institutul pentru prima dată. Printre exponate se numără rochii și paltoane de seară, ansambluri de dans și cocktail, precum și un tip special de rochii elegante care au apărut în garderoba femeilor în epoca Art Deco numite robe de style (rochii cu stil).
Bijuteriile uimitoare din anii 1910 până în anii 1930 sunt, de asemenea, fascinante. Secolul XX, oferite de partenerii expoziției, casele de bijuterii Cartier și Van Cleef & Arpels, împreună cu schițe și fotografii originale din arhivele lor. Pentru prima dată, îmbrăcămintea și bijuteriile ca un singur ansamblu au fost prezentate la inițiativa lui Louis Cartier și Jeanne Lanvin în pavilionul „Elegance” la expoziția Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes (1925) de la Paris - de fapt, acesta ulterior a dat numele stilului Art Deco.
Detalii din Posta-Magazine
Expoziția este deschisă până pe 11 ianuarie 2017.
http://www.kreml.ru/
ÎNExpoziția „” în Muzeele Kremlinului din Moscova vor dura până pe 11 ianuarie 2017. O expoziție de amploare - idealuri de frumusețe, cele mai bune exemple de modă, bijuterii și grafică ale epocii - este prezentată în Camera cu un singur stâlp a Palatului Patriarhal și sala de expoziție a Clopotniței Adormirii Maicii Domnului. Am aflat de ce nu poți rata.
„Sincer să fiu, părea că costumele Art Deco erau mai frumoase în ilustrații decât în viața reală”, spune curatorul expoziției Svetlana Amelyokhina despre grafica din revista Jardin du Fashion, care a stat ulterior la baza Vogue.
Artiștii edițiilor pariziene s-au inspirat din Orient - imprimeurile japoneze din secolele XVIII-XIX i-au impresionat nu numai pe impresioniști. Exotismul a fost plăcut din punct de vedere istoric de publicul european într-o varietate de epoci, iar anii 20 și 30 - cei mai „nebuni” ani ai secolului trecut - nu au făcut excepție.
Nu este ușor să fii de acord cu afirmația curatorului: rochiile și kimonourile de la Kyoto Costume Institute prezentate la expoziție nu sunt în niciun fel inferioare ilustrațiilor. Printre exponatele de couture se numără nu doar costumele reformatorilor francezi Coco Chanel și Paul Poiret, ci și gențile cu mărgele și bomboane de agat Cartier.
Despre epoca Art Deco
Termenul „Art Deco” a fost folosit pentru prima dată de Le Corbusier ca abreviere pentru arts décoratifs - „arte decorative” prezentate la Paris la Expoziția Internațională din 1925. Stilul a înflorit în perioada interbelică: Art Deco a înlocuit Art Nouveau. El a combinat elemente ale diferitelor tendințe - de la clasicism la chinoiserie, pasiune pentru Orient.
Art Deco întruchipează bucuria vieții și frumusețea perioadei postbelice - Les années folles, „anii nebuni” care au înlocuit foamea și sărăcia. Epoca lui Hemingway și Fitzgerald, jazz și emanciparea femeii în îmbrăcăminte se încadrează tocmai în anii 20-30.
Estetica Art Deco este o sărbătoare care este mereu cu tine, iar balurile din „Marele Gatsby” sunt, în mare, ultimul stil major care a fost de natură burgheză.
„Ei au călătorit mult, au citit, au fost foarte educați și au încercat să aducă la viață tot ce au văzut, să-l conecteze și să vadă ce va rezulta. Iar rezultatul au fost capodopere”, spune Amelyokhina.
La modă înaltă
Una dintre cuceririle epocii au fost rochiile lui Paul Poiret - o siluetă dreaptă cu talie joasă, atât de iubită de flappers - fete tinere și independente care fumează și poartă coafuri bob.
Ele sunt înlocuite cu robe de style -rochii cu talie îngustă și fustă plină, care au fost aduse la modă de Jeanne Lanvin.
Surorile Callot, acum mai puțin faimoase, au gravitat către siluete mai liniare și, în același timp, nu și-au lipsit ținutele de decorațiuni bogate, pentru care epoca a primit un alt nume - „anii 20 de aur”.
„Toate exponatele sunt interesante în felul lor, dar aș dori să subliniez această rochie specială a surorilor Kallo”, spune Makoto Ishizeki, curatorul expoziției de la Kyoto Costume Institute. -În ciuda faptului că atelierul lor se afla la Paris, ei s-au inspirat din elemente ale diferitelor culturi ale lumii. În această rochie, motivele florale japoneze cu sakura sunt combinate cu broderii bogate de perle, care au venit din Rusia. În acea perioadă artistică nu existau limite pentru modă.”
Săpătura mormântului lui Tutankhamon în 1922 a marcat începutul unei nebunii pentru Egipt, inclusiv îmbrăcăminte, care poate fi văzută în rochia Madeleinei Vionnet.
Paltoanele reformatorului care a eliberat femeile de corsete, Paul Poiret, sunt inspirate din baletul rusesc. „Haina albastră cu aripi seamănă cu Lebăda pe moarte, dar acesta este Ivan Țareviciul din Pasărea de foc”, îi descrie Ameliokhina.
Rochie de curte formala cu trena. Casa de modă „Worth”, Franța, 1914 / Rochie de uz casnic. Crep de matase, matase habutai, broderie. Japonia, anii 1900
Rochie de seara. Creatoare de modă Madeleine Vionnet (Vionnet) Franța, 1927 / Rochie din dantelă. Casa de modă „Boué Souers”, Franța, circa 1923
Rochie de cocktail. Casa de modă „Callot Soeurs”, Franța, iarna 1922
Palton de seara. Creatorul de modă Paul Poiret, Franța, circa 1925 / Palton de seară. Creatorul de modă Paul Poiret, Franța, circa 1925
Rochie de seara Chanel. Charmeuse de mătase, tul de mătase, broderie. Franta, circa 1922 / Rochie de seara din lame argintiu, broderie argintie si margele. Designerul de modă Paul Poiret. Franța, în jurul anului 1920
Rochie „Boué Soeurs”. tafta, organdy, panglica de matase, broderie, aplicatie. Franța, în jurul anului 1923
Rochie de seara. Creatoare de modă Madeleine Vionnet (Vionnet). Muslină de mătase cu fire lame argintie, tul, margele. Franța, circa 1922 / Rochie de mătase. Creatoare de modă Madeleine Vionnet (Vionnet). Charmeuse de matase, matase habutai, aplicatie. Franța, în jurul anului 1922
Rochie de seara Chanel. Charmeuse de mătase, șifon, tul. Franța, circa 1929 / Coudurier-Fructus-Descher șal. Matase modelata cu fire lame aurii si argintii, franjuri de matase. Lyon, Franța, în jurul anului 1925
În total, expoziția prezintă peste o sută de articole, inclusiv rochii de seară și îmbrăcăminte exterioară, toate exponate de la Kyoto Costume Institute. O mare parte din creația sa îi datorează retrospectivei Art Deco din New York din 1973, care la un moment dat l-a inspirat pe tânărul Yamamoto, care l-a convins pe viitorul director al muzeului să aducă expoziția la Muzeul de Artă Modernă din Kyoto. Trei ani mai târziu, a fost deschis Institutul de costume din Kyoto.
„Misiunea noastră este să studiem moda occidentală, care este o sursă de inspirație pentru moda modernă. Prin urmare, colecția muzeului conține peste 12.000 de costume din secolul al XVII-lea până în epoca actuală, inclusiv piese din case precum Chanel, Christian Dior, Louis Vuitton și peste o mie de articole Comme des Garçons, care au fost donate muzeului de către Rei Kawakubo”, spune Makoto Ishizeki, curatorul expoziției de la Kyoto Costume Institute.
Accesorii si bijuterii
Schimbările în înfățișarea unei femei au dus și la apariția de noi accesorii - bonbonniere și bandeau pentru coafuri băiețești. Pantofii s-au schimbat, de asemenea, designerii au început să folosească tehnologii noi.
„Toate acestea sunt materiale noi: celuloid, strasuri, margele metalice. Apropo de paleta și gama pe care Art Deco le-a absorbit: aici vedem totul - unii sunt mai mult asociati cu clasicii, alții cu motive orientale, cu aluzii la arta japoneză”, spune curatorul secției de bijuterii Larisa Peshekhonova despre tocuri false pentru doamne. ' pantofi.
O altă nouă cucerire a epocii este bandeauurile plate, încrustate cu diamante, care înlocuiesc diademele mai tradiționale.Impresionant este și colierul cu guler Van Cleef & Arpels, care a aparținut anterior prințesei egiptene Faiza, fiica regelui egiptean Fuad I. În urmă cu câțiva ani, a fost licitat la Christie's pentru 4,2 milioane de dolari.
„Acest colier remarcabil este una dintre cele mai expresive piese din secțiunea de bijuterii a expoziției și un bun exemplu al esteticii moderniste a stilului Art Deco. Prezintă diamante dintr-o mare varietate de tăieturi, creând un joc de lumină uimitor și un efect de curcubeu, precum și 10 smaralde columbiene cu o greutate de 165 de carate. Acesta este un exemplu remarcabil al stilului alb Art Deco în bijuterii”, spune Peshekhonova.
Epoca a introdus și moda pentru perle, inclusiv pentru cele artificiale. Cartier și Van Cleef au folosit doar perle naturale, dar au existat și excepții. Cea mai interesantă poveste este legată de numele marei creatoare de modă Elsa Schiaparelli.
Curatorul Larisa Peshekhonova spune: „Schiaparelli a adus la Cartier perle de cultură, care nu crease niciodată bijuterii din astfel de materiale. Dar un designer de modă celebru a comandat o brățară -și s-a dovedit a fi un lucru luxos. Închiderea brățării este ca o sculptură abstractă sculptată din onix. Există și diamante de diferite forme, iar baghetele sunt dispuse în trepte. Cât de impresionant arată, cât de modern arată și, în același timp, este un clasic strict. Oricare ar fi lucrările geometrice abstracte create la Cartier, ele sunt întotdeauna clasice, rafinate, pentru că Louis Cartier era un fan al clasicilor.”
Colier cu guler Van Cleef & Arpels. Platină, smaralde, diamante. Paris, 1929. Colecția Van Cleef & Arpels / Cercei cu ciucuri Van Cleef & Arpels. Platină, smaralde, diamante. Paris, 1923
Pulbere plic compact Van Cleef & Arpels. Aur galben, email negru. Paris, în jurul anului 1922
Bratara (fabricata la comanda speciala). Cartier Paris, 1935 Platină, aur alb, onix sculptat, diamante tăiate strălucitor și baghetă, perle de cultură; inchizator onix Colectia Cartier
Ceas cu broșă Van Cleef & Arpels Art Deco. Platină, diamante, safire, onix, email negru. Paris, 1924 / Broșă în stil egiptean Van Cleef & Arpels. Platină, diamante, smaralde, safire, rubine, email negru. Paris, 1924
Bandeau Cartier. Platină, diamante rotunde tăiate veche, diamante tăiate trandafir, montaj grisant. Paris, 1920
Cutie de toaletă Van Cleef & Arpels „Blue Express”. Platină, smaralde, safire, diamante. Paris, circa 1931. Colecția Van Cleef & Arpels
Pulbere plic compact Van Cleef & Arpels. Aur galben, diamante, email negru. Paris, 1923 / Cutie de călătorie „Vază chinezească” Cartier, Paris, 1927. Aur, platină, onix, smaralde, safire, coral, diamante, diamante tăiate trandafir, email. Colecția Cartier
Cutie de toaletă Van Cleef & Arpels Millefiori. Aur alb și galben, platină, email roșu, verde și negru, jasp roșu, diamante, diamante tăiate. Paris, 1928
Bandeau Cartier, New York, 1924. Platină, perle naturale, diamante rotunde tăiate vechi, două diamante în formă de para. Colecția Cartier
Arte grafice
Este greu de imaginat lumea Art Deco fără reviste și ziare ale epocii - ilustrațiile pentru Gazette du bon ton, Feuilles d'art și Robes et femmes sunt acum exponate de muzeu. Uneori revistele aparțineau chiar și couturierilor, precum „Jardin du Mode”. ” de Paul Poiret și editorul său Lucien Vogel.
Ilustrație „...și iată inima mea, care bate numai pentru tine; Van Cleef & Arpels 22 Place Vendôme. Paris". Feuillets d'art, 1919, nr. 3. Charles Martin / Ilustrație „The Maid is an Annamite; rochie de seară de la Deuillet, împodobită cu panglică.” La Gazette du bon ton:
Ilustrație „August 1914” de Georges Lepape. Modes et Manières d'Aujourd'hui. Paris, 1914 / Ilustrație „La revedere”. Modes et manières d'aujourd'hui 1914–1919. Paris, 1921. Georges Lepape
Ilustrație „Judecata de la Paris”. Falbalas et fanfreluches - Almanach des modes présentes, passées et futures pour 1924. Paris, 1924. Georges Barbier / Ilustrație „Leave me alone!”. Feuillets d'art, 1919, Nr.2 Paris, 1919. Georges Barbier
Ilustrație „Prolog sau comedie în castel”. La Gazette du bon ton: arts, modes & frivolités, Juillet 1920, No.6 Paris, 1920, Pierre Brissot / Ilustrație „Ce vei face! Rochie de seară de la Worth.” La Gazette du bon ton: arts, modes & frivolités, Juille
Art Deco este o epocă care a înflorit cu aproape un secol în urmă, dar nu încetăm să fim inspirați de ea. „Specialiștii în istoria costumului și a modei au susținut până acum că moda revine aproximativ la fiecare 70 de ani, la fel ca și interesul pentru costume. Acest lucru este adevărat, este evident pentru noi toți, dar mi se pare că această perioadă nu este de 70, ci de 100 de ani. Pentru că costumele pe care le expunem acum, după părerea mea, sunt extrem de relevante pentru timpul prezent. Orice doamnă la modă le-ar purta aproape pe toate cu mare plăcere sau și-ar cere croitoarelor să o repete”, spune Svetlana Amelyokhina.
Expoziția este deschisă publicului între orele 10:00 și 17:00 în fiecare zi, cu excepția zilei de joi. Detalii și bilete pot fi găsite pe site-ul expoziției prin acest link.
Rochiile pot fi opere de artă? Da, o să-ți spun. Acestea sunt rochiile care au fost aduse la Moscova de la Kyoto Costume Institute (Japonia). Mai jos veți vedea fotografii de pe site-ul Kremlinului, dar vă asigur că nu transmit pe deplin frumusețea acestor ținute. Liniile, finisajele, texturile, culoarea, croiala și croiala lor sunt perfecte, toate încântează...
„Institutul de costume din Kyoto este unul dintre cele mai bune patru muzee de modă din lume și deține o colecție rară de rochii și accesorii pentru femei de la firme europene remarcabile și designeri de modă din prima treime a secolului XX, precum Chanel, Worth, Poiret, Lucille, Paquin, Callot Sisters, Lanvin, Boué Sisters, Fortuny etc.. Aceste case de modă, care au ales o nouă direcție modernă în arta creării costumelor la începutul secolului al XX-lea, au determinat perspectivele dezvoltării acesteia până în sus. până în zilele noastre”, este scris pe site-ul expoziției (citiți restul informațiilor acolo).
Rochie de stil de Jeanne Lanvin.
Franța, în jurul anului 1925
tafta de matase, dantela, sifon, margele, strasuri, paiete, cristale; țesut, broderie, țesut.
Rochie de ceremonie (prezentare?) de curte. Casa de modă „Worth”.
Franța, 1914
tafta lame argintie, tul de mătase, paiete, strasuri, flori de mătase artificială; țesut, broderie cu paiete și strasuri.
Casa de modă „Sisters Callo”
Franța, iarna 1922
Brocart cu modele, margele, ciucuri; țesut, mărgele, țesut.
Colecția Institutului de costume din Kyoto. Fotografie © Takashi Hatakeyama
Palton. Designer de modă – Paul Poiret
Franța(?), circa 1925
catifea de matase, fir de aur, margele; țesut, broderie.
Colecția Institutului de costume din Kyoto. Fotografie © Takashi Hatakeyama
Japonia, anii 1900
Crep de mătase, mătase habutai, fire de mătase; țesut, broderie.
Colecția Institutului de costume din Kyoto
Casa de modă „Sisters Bue”
Franța, în jurul anului 1923
tafta, organdy, panglică de mătase; țesut, broderie, aplicație.
Colecția Institutului de costume din Kyoto. Fotografie © Takashi Hatakeyama
Rochie de seara Madeleine Vionnet
Franța, 1927
Tifon de mătase, fir de aur, șnur de bronz, ciucuri; țesut, broderie, țesut.
Colecția Institutului de costume din Kyoto. Fotografie © Takashi Hatakeyama
Alături de costume, expoziția prezintă și bijuterii din anii 1910 până în anii 1930. case de bijuterii remarcabile CartierȘi Van Cleef & Arpels alături de schițe și fotografii originale din arhive.
Pulbere compactă de la Van Cleef & Arpels „Le Train Bleu” (sunt mai obișnuit să numesc acest tren „The Blue Express”, am scris despre el în postarea despre „Blue Lanvin”).
Paris, în jurul anului 1931
Platină, smaralde, safire, diamante.
Colecția Van Cleef & Arpels
Interesantă poveste despre crearea sa.
Wolfe „Babe” Barnato, președintele Bentley și câștigătorul cursei de la Le Mans din 1928-1930, a câștigat pariul o dată. În martie 1931 (după unele versiuni, 1930) a luat parte la o cursă pe Bentley Speed Six contra expres Trenul Albastru. Babe a pariat 100 de lire sterline pe faptul că va ajunge primul la clubul său, care nu este nici măcar în Calais, ci în Londra. Pentru a perpetua această ispravă și a-și cere scuze pentru absența îndelungată la soția lui (!), el a comandat cadou această cutie de toaletă din platină.
Geanta de voiaj „Vază chinezească” în stilul la modă „giardinetto”.
Cartier
Paris, 1927
Aur, platină, onix (carcasa), smaralde, safire, coral, diamante, diamante tăiate trandafir, email bej, roșu, alb, verde, galben și negru.
Colecția Cartier
Bandeau de la Cartier
New York, 1924
Platină, perle naturale, diamante rotunde tăiate vechi, două diamante în formă de para.
Colecția Cartier
Colier de guler pentru Prințesa Faiza a Egiptului, creat în 1929
Van Cleef & Arpels.
Expoziția este deschisă în perioada 30 septembrie 2016 până în 11 ianuarie 2017 între orele 10:00 și 17:00, cu excepția zilei de joi.
Iubesc Art Deco, așa că am o mulțime de postări pe tema modei de atunci.
Lasă-mă să-ți amintesc câteva.
Despre bijuterii:
Film „The King’s Speech”, colier transformabil de la Van Cleef & Arpels.
